„What we design designs us back.“ Dieser Satz des Techno-Futuristen Jason Silva ist das Motto des DDCAST. Design beein­flusst unser Zu­sam­­men­­leben. So weiter­­­machen wie bisher, das geht nicht; oder wir werden von Krise zu Krise stürzen. Krea­tivi­tät ist ge­fragt! Wie können wir mit­hilfe des Design die Welt neu den­ken? Dazu bringen wir Woche für Woche starke Stimmen – aus Design, Wissen­­schaft, Wirt­schaft, Politik …

 

DDCAST-Folgen im Überblick

127 — Juli Gudehus // Icon Spell: Visuelle Weltsprache
126 — Mona Mijthab // Sozialunternehmerin in Guatemala
125 — Christian Daul // Der Wortarbeiter
124 — Matthias Wagner K // „gestalten wir, wie wir leben wollen!“
123 — Thomas Rempen // Kurt Weidemann zum 100.
122 — Hans Ulrich Reck // Design / Theorie
121 — Uta Brandes // Non Intentional Design
120 — matali crasset // Design, um den Menschen zu dienen
119 — Tanita Klein // Die verformbare Küche
118 — Philipp Thesen // Humanizing Technology
117 — Andreas Muxel, Daniel Rothaug // Creative Engineering
116 — Sebastian Klöß // Wegweiser ins Metaverse
115 — Matteo Thun // Der Großmeister
114 — Ute Clement // Frauen führen besser
113 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes // FORM FRAGEN 02 // Boisbuchet / Vienna Design Week
112 — Helge Aszmoneit // Die Design-Bibliothekarin
111 — Kollektiv Plus X (Ezra Dilger, Marvin Schwark u.a.) // Mobiles Forum für direkte Demokratie
110 — Hermann Weizenegger // Der philharmonische Designer
109 — Alexandra Baum // Forschung. Design. Startup. Familie.
108 — Michael Conrad // creativity – off the norm
107 — Hannah Helmke // 1,5° Celsius und 100% Powerfrau
106 — Stefan Weil // create curate collaborate
105 — Lena Jüngst // Zukunftslabor Gastronomie
104 — Sandra Groll // Design: Zwischen Kontingenz und Notwendigkeit
103 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes // FORM FRAGEN 01 // Salone Del Mobile 2022
102 — Alexis Dornier // Tektonische Innovation auf Bali
101 — Franziska Ratsch und Oliver Grande // Partizipative Raum-Gestaltung
100 — Diana Tayo Osobu // Colour & Character
99 — Christian Müller // Turbo für die Energie Transformation
98 — Prof. Bitten Stetter // Palliativ-Design
97 — Prof. Dr. Joachim Curtius // UP UP IN THE AIR
96 — Erik Spiekermann // TYPOERIK 75
95 — Nicole Deitelhoff und Matthias Wagner K // Design for Democracy. Gestalten wir wie wir leben.
94 — Felix Kosok // Das queere Mannsbild
93 — Hella Jongerius // Texture makes things human
92 — Etta Madete // Nachhaltige und bezahlbare Wohnungen in Kenia
91 — Gesche Joost // Die Design Forscherin
90 — Lisa Borgenheimer // Communicating Complexity
89 — Michael Volkmer // Da anfangen wo wir stehen
88 — Werner Sobek // Erderwärmung ist keine Krise sondern ein neuer Zustand
87 — Harald Welzer // Extraausgabe // Demokratie gestalten
86 — Mariana Amatullo // Die Chef-Diplomatin des Social Design
85 — Philipp Langenbach // Grünes Banking – wie geht das?
84 — Judith Block // Über Megatrends, Menschenliebe und Mut
83 — Anatoli Skatchkov // Man muss immer aus Liebe handeln
82 — Claudia Díaz Sánchez, Laura Schlotthauer, Katja Lis //
Diverse Kommunikation braucht diverse Menschen

81 — Ondřej Chybík // Driven by ego, curiosity and naivety
80 — Marie Josephine Eckloff // Licht ins Dunkel bringen
79 — Kai Vöckler und Peter Eckart // Mobilität neu denken und gestalten
78 — Christine Fehrenbach // Mode als Transformationstreiber
77 — Britta Wagemann und Samson Kirschning // Design-Interventionen im Reallabor Stadt
76 — Imran Ayata // Erst mal alles in Frage stellen
75 — Ricky Saward // Vegane Sterne
74 — Marti Guixé // Der Ex Designer
73 — TheJoCraft // Der digitale Baumeister
72 — Elvira Breit / Patrick H. Nagel / Klaus K. Loenhart // Lernen, Sehen, Atmen
WAS IST GUT – Die Gewinner

71 — Katja Filippenko und Philip Weyer // Der vegane Party Kracher
70 — Klement Tockner // Einmal verloren ist immer verloren
69 — Agnesa Kolica // Social Design for Innovation
68 — Frank Wagner // What’s the value of design
67 — Constanze Hosp und Nadine Podewski // Wie Designerinnen gutes Leben gestalten
66 — Boris Kochan // Wir können sehr viel bewegen
65 — Paola Antonelli // Über das Lernen von Designausstellungen
64 — Shantel // Diversität hörbar machen
63 — Lena Jüngst // Raus aus der Kreativblase
62 — Karin Schmidt-Friderichs // Die Bücher-Macherin
61 — Friedrich von Borries // So geht WAS IST GUT
60 — Constantin Kaloff // Über Werbung und Enteitelung
59 — Anne Farken // Eyes on the Future – Feet on the Ground
58 — Nils Holger Moormann // WAS IST GUT – und was nicht
57 — Markus Weisbeck // Forschung mit Design, nicht über Design
56 — Tatjana Gorbachewskaja // Über eine arktische Großstadt
55 — DAS IST GUT PART I
54 — Thomas Immich // Planet Centered Design versus Impact Driven Design
53 — Jifei Ou // CHN > HFG > MIT > CEO
52 — Friederike Köhler-Geib // Design – Brücke für eine innovative Wirtschaft
51 — Olivia Dahlem und Florentina Fuchs // Female Empowerment durch Mode
50 — David Maurer-Laube // So klappt nachhaltige Mobilität
49 — Inga Wellmann // Was ist Creative Bureaucracy?
48 — Lioba Lissner und Claus Herrmann // Plätze für Menschen, Tiere und Pflanzen
47 — Dr. Sandra Hartig // LGBTAIQ++
46 — Dieter Brell // Nachhaltigkeit sichtbar machen
45 — Benedikt Poschinger von Frauenau // Gutes Glas ist gut
44 — Stefan Sagmeister // Hässlichkeit / Schönheit
43 — Stephen Burks // Beauty, Design und Rassismus
42 — Arpad Dobriban // Manifest des Kochens
41 — Liz von Wagenhoff und Teresa Limmer // Should be all about sex
40 — Daniel Martin Feige // Wozu Design-Philosophie?
39 — Lilli Hollein // Die Design Kuratorin
38 — Thomas Ranft // Donnerwetter Design
37 — Elisabeth Mansfeld // Neurourbanismus – Psychologie der Stadt
36 — Thomas Jäger // Design und humanitäre Arbeit
35 — Bartomeu Mari Ribas // Museen müssen parteiisch sein
34 — Malene Saalmann // Idee & Modell & Prototyp
33 — Jürgen Engel // Räume beeinflussen unsere Körper
32 — Mike Meiré // Befreit euch von dem was ihr geschaffen habt
31 — Stephanie Hobmeier // We don’t need (this) education
30 — Konstantin Grcic // Mir fällt nichts leicht
29 — Christoph Grünberger // The Age of Data
28 — Barbara Friedrich // An einem Ort leben und designen
27 — Emilie Burfeind // Material Groove
26 — Lea Schücking und Leya Bilgic // Können Fliesen ethisch sein?
25 — Olaf Barski // Medical Design kann Leben retten
24 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes // Es geht nicht um die ideale Form
23 — Dr. Keneilwe Munyai // From Design ‚for‘ to Design ‚with‘
22 — Uwe Melichar // Das Wort ‚Müll‘ muss weg
21 — Fabian Winopal und Tim Fleischer // Tatort Tatcraft
20 — Frauke Burgdorff // Städtische Baupolitik und Gemeinwohl
19 — Wettbewerb für weltverbesserndes Design
18 — Alexander Wagner // Geschichten in den städtischen Raum tragen
17 — Katja Lis // Schöne neue Arbeitswelt?
16 — Simone Leitenberger // Design bewegt Menschen, verantwortlich zu handeln
15 — Prof. Dr. Dr. Volker Mosbrugger // Der Weg vom Wissen zum Handeln ist unendlich weit
14 — Sebastian Herkner // Handwerk muss wertgeschätzt werden
13 — Janina Albrecht // Die Stadt vermenschlichen
12 — David Hess // Starthub für Start-ups
11 — Shirin Brückner // Ausstellungen mit allen Sinnen erlebbar machen
10 — Dr. Frauke Fischer // Design und Biodiversität gehören zusammen
09 — Raphael Gielgen // Wir müssen in das Kollektiv zurückfinden
08 — Daniel Cohn-Bendit // Wir haben ein falsches Effizienzdenken
07 — Anette Lenz // à propos
06 — Prof. Annette Bertsch // Eine gemeinsame Sprache finden
05 — Benedikt Wanner // Von der Wiege zur Wiege
04 — Madita Morgenstern Antao // Soziales Design in der Praxis
03 — David Gilbert // Digital Design braucht Struktur und Gespür
02 — Uli Mayer-Johanssen // Zusammen neue Perspektiven öffnen
01 — Friedrich von Borries // Was ist gutes Design?

127 — Juli Gudehus
Icon Spell: Visuelle Weltsprache

Die Spezialität von Juli Gudehus ist das Besondere. Äpfel und Birnen zu ver­gleichen, ist ihr tägliches Brot.

Sie gestaltet, berät, begleitet, recher­chiert, regt sich auf, regt an, schreibt und sam­melt. Sie lernt und lehrt, zählt Erbsen, zagt, fragt, wagt und wundert sich. Sie liebt es, Ver­bin­dungen herzu­stellen zwischen Phäno­menen, Menschen und Dingen. Sprache und Alltags­kultur sind ergiebige Quellen für ihre experi­men­telle, poetische und kluge Arbeit. Sie strahlt, wenn davon Funken über­springen und Men­schen zum Lächeln bringen.

Bekannt wurde Juli durch ihre „Genesis“, eine Über­setz­ung der bib­lischen Schöpfungs­ge­schichte in zeit­ge­nössische Hiero­glyphen. Sowohl diese als auch ihr 3.000-seitiges „Lesikon der visu­ellen Kommu­ni­kation“ wurden schon ver­schiedent­lich als Designer­bibel bezeich­net. An beide Werke knüpft sie in ihrer aktu­ellen Arbeit an: in ihrem „Icon spell“ Projekt geht es um die Erschaffung einer visu­ellen Welt­sprache aus an­ein­ander­ge­reihten Bild­zeichen mit­hilfe von Schwarm­intelligenz.

Während die einen finden, dass Juli immer wieder ganz was anderes macht, sehen andere den roten Faden: die gelun­gene Balance zwischen spiele­r­isch und pur. Manche Arbeiten, wie ihr Abreiß­kalender „mindestens haltbar bis“ – sind so verblüf­fend einfach, dass man eigent­lich selbst hätte drauf kommen können.

Julis Credo lautet: „Es ist eine Kunst, am richtigen Ort falsch zu sein“. Für Stefan Sagmeister ist sie „probably the purest conceptual designer I know“.

LITERATUR
GELOTTE, Ann-Madelaine, Ein geblümter Regenschirm
LIONNI, Leo, Frederick
LINDGREN, Astrid, Pippi Langstrumpf
ENDE, Michael, Die unendliche Geschichte
TOLLE, Eckart, The Power of Now

PROJEKTE

„Das Lesikon der visuellen Kommunikation“
„Genesis“
„mindestens haltbar bis“
YouTube: „Icon spell“
Ausstellung: „Die Natur der Sache“ 
Ausstellung: „Klopapier – Gestaltung für den Arsch“
YouTube-Serie: „Klopapier – Gestaltung für den Arsch“
„DAS GROSSE WAGEN“

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Veröffentlichung: 23.01.2023

126 — Mona Mijthab
Sozialunternehmerin in Guatemala

Mona Mijthab ist Sozial­unter­nehmerin, Dozen­tin und Design­erin mit Fokus auf zirku­läres Produkt- und Service­design und soziale Inno­vation. Ihre Leiden­schaft ist es, komplexe Heraus­forder­ungen zu lösen und große Projekte zu managen, wobei sie andere Menschen inspiriert und Teams mit hoher Diver­sität leitet. In ihrer Arbeit wendet sie parti­zi­pa­tive Methoden an, um diverse Akteure in den Design­pro­zess ein­zu­beziehen.

2016 gründet sie MOSAN, ein Sozial­unter­nehmen, das die Lebens­beding­ungen in ein­kom­mens­schwachen Ge­mein­den mit Zu­gang zu sicheren sani­tären Ein­richt­ungen ver­bessert. Aus den men­sch­lichen Fäka­lien werden bio­logische Pflanzen­kohle-Dünger für die Land­wirt­schaft pro­duziert. Die Pflanzen­kohle sorgt für ein dauer­haftes Speichern von Kohlen­stoff im Boden, was MOSAN zu einer klima-positiven Lösung macht. Aktuell bietet Mosan seine Sanitär Services in Maya-Gemein­den in Guatemala an.

Sie ist seit mehr als 6 Jahren Dozen­tin und For­scherin an der Zürcher Hoch­schule der Künste (ZHdK) und ist Teil des Kern­teams im Weiter­bildungs­pro­gramm „MAS Strategic Design“, wo sie Kurse ent­wickelt und leitet, so z.B. „Design Thinking for Social Innovation“, „Design Methods – User Research“, „Design Cultures“ und „Intercultural Competencies“. Seit 2014 ist Mona Mit­glied des IDIN-Netz­werks am MIT D-Lab, ein Kompetenz­bereich des MIT, welcher sich mit der Lösung kom­plexer Frage­stell­ungen in Krisen­gebieten befasst. Sie arbeitet dabei an Forschungs­pro­jekten, und leitet Work­shops und Inno­vations­pro­zesse (z. B. in Kenia, Tan­sania, Marokko, Kolumbien, Guatemala).

Mona hat ihren Bachelor in Industrie­design an der Hoch­schule Magde­burg-Stendal und einen Master in Produkt­design an der Zürcher Hoch­schule der Künste (ZHdK) er­worben. Neben ihrer professio­nellen Tätigkeit begeistert sie sich für Perma­kultur, Gärtnern und Fermentation.

LINKS
Springer Publikation:
Mijthab, M., Anisie, R. & Crespo, O. ; Mosan: Combining Circularity and Participatory Design to Address Sanitation in Low-Income Communities. Circ.Econ.Sust. 1, 1165–1191 (2021)

Mosan Case Study featured in:
Social Design – Participation and Empowerment: Angeli Sachs, Published November 20, 2018 by Lars Muller Publishers. ISBN 9783037785706 (ISBN10: 3037785705);

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Veröffentlichung: 16.01.2023

125 — Christian Daul
Der Wortarbeiter

Christian Daul ist Geschäfts­führer der Marken­be­ratung REINSCLASSEN, die als GWA-Mitglied mit Büros in Ham­burg, Frankfurt am Main und Baden-Baden ver­treten ist. Der gelernte Bank­kauf­mann und Diplom-Betriebs­wirt hat früh seine Leiden­schaft fürs Schreiben ent­deckt und in Schüler­zeitung, eigenen Blättern und lokalem Jour­nalis­mus ausgelebt. Bücher und Magazine zogen ihn immer schon magisch an und er liest bis heute quer­beet fast alles, was ihm in die Hände fällt. Nach dem Studium an der FH für Wirt­schaft in Pforz­heim startete er folge­richtig 1993 als Texter bei Michael Conrad & Leo Burnett in Frank­furt. Bereits in seiner zweiten Station bei Lowe & Partners wurde er Ende der 90er jüngster Kreativ­chef einer Net­work-Agentur in Deutsch­land und textete dort u.a. für Braun und Opel. Seine Arbeiten in Text und Konzep­tion gewan­nen schon zu dieser Zeit zahl­reiche natio­nale und inter­natio­nale Aus­zeich­nun­gen. Weitere Stationen als Creative Director oder Geschäfts­führer führten ihn über Jung von Matt in Ham­burg und McCann-Erickson Ham­burg und Fran­kfurt als CCO zu Young & Rubicam, wo er auch im Euro­pean Board und in der Jury der Cannes Lions saß und einen Grand Prix bei den New York Festivals ge­wann. Danach zog es ihn 2009 in die digitale Welt, wo er bei Scholz & Volkmer als Geschäfts­führer in Wies­baden und Berlin maß­geb­lich für die Bereiche Text/Konzep­tion und Presse verant­wort­lich war. Hier betreute er u.a. Mercedes-Benz, Deutsche Bahn, Lufthansa und Coca-Cola. In Frank­furt und Salz­burg war er danach bei Kastner & Partner für Red Bull und das Media House im Bereich Digital und Content aktiv. Als Geschäfts­führer Europa lernte er bei Spark44 auch die inter­nationale Kunden­seite kennen und war für die Koordination der gesamten Kom­muni­kation von Jaguar und Land Rover in allen Märkten Europas verant­wort­lich. Armin Reins und Veronika Classen als Gründer holten ihn 2019 an die Spitze der 2005 ge­gründeten Marken­beratung REINSCLASSEN, die das Thema Corporate Language im deutsch­sprachigen Raum ent­wickelt und bekannt ge­macht hat. In mittler­weile 3 Büchern zu diesem Thema hat REINSCLASSEN immer neue Aspekte zum Thema Marken­sprache auf­ge­zeigt und weiter­ent­wickelt. Im letzten Praxis­buch, das 2020 im Hermann Schmidt Verlag er­schienen ist, war Christian Daul bereits als Autor dabei. Er kümmert sich ins­be­son­dere um digitale Aspekte des Themas, die sich in Chat­bots, Sprach­assis­tenten, Voice Design und Micro-Copy (UX-Writing) zeigen. Außer­dem interes­siert er sich sehr für Sprach-Ent­wicklungs­trends wie Gendern, Jugend- und Einfache Sprache. Neben digitalen Kanälen hat er als Texter ein großes Faible für Plakat und Radio, weil hier jedes Wort beson­deres Ge­wicht hat. Im DDC ist er Mit­glied seit 2006 und war 5 Jahre im Vor­stand. Er ist Mit­glied im Art Director’s Club für Deutsch­land (ADC) und Autor in Fach­büchern und Branchen­diensten und immer wieder auch als Sprecher bei Kon­gressen und Fach­messen. Wenn nicht mit Buch­staben, dann arbeitet er gerne an seiner Sitz­möbel-Samm­lung oder sucht statt nach Worten nach Fossilien. Außer­dem hat er schon immer ein scharfes Design-Auge auf alles, was zwei Räder hat.

LINKS
Agentur REINSCLASSEN
Porträt Christian Daul auf DDC.de

Fachbuchtipps von Christian Daul
YIFRAH, Kinnereth, Microcopy – The complete guide, Nemala MicroCopy Studio, ISBN-10: 9655721086
PYCZAK, Thomas, Tell Me!, Rheinwerk, ISBN-10: 3836277050
KNAPP, Karlfried & al., Angewandte Linguistik, UTB, ISBN-13: 9783825282752
D&AD, The copy book, Taschen, ISBN-10: 3836568527
MCCULLOCH, Gretchen, Because Internet, Penguin, ISBN-13: 9780735210950
VLAHOS, James, Talk to me, Random House, ISBN-13: 9781473539655
LUNTZ, Frank, Words that work, Hachette, ISBN-13: 9781401385743
SHAW, Mark, Copywriting: Successful Writing for Design, Advertising and Marketing, Laurence King, ISBN-10: 1780670001

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Veröffentlichung: 09.01.2023

124 — Matthias Wagner K
„gestalten wir, wie wir leben wollen!“

Prof. Matthias Wagner K leitet die Bewer­bung Frank­furt RheinMain World Design Capital 2026. Hier­für ent­wickelte er den Claim „Design for Democracy. Atmospheres for a better life“. Die für den DDCAST 124 im Studio un­verän­dert neu ein­ge­sprochen Rede hielt er an­läss­lich des Tages der Deutschen Ein­heit am 3.10.2022 in der Frank­furter Paulskirche.

Matthias Wagner K ist Aus­stellungs­macher, Biennale­­Leiter, Kurator, Autor und seit 2012 Direktor des Museum Ange­wandte Kunst in Frank­furt am Main. Binnen nur eines Jahres positio­nierte er das Museum mit einem gänz­lich über­arbeite­ten Aus­stell­ungs- und Partizi­pations­kon­zept neu.

Mit seinen wechselnden thematischen Aus­stell­ungen richtet es seither den Fokus auf die Wahr­nehm­ung gesell­schaft­licher Ström­ungen und Ent­wick­lungen. Das Museum ver­steht es sich als ein Ort für sinn­liche Denk- und Er­fahrungs­räume, für Ge­spräche und kritische Dis­kurse. Es zählt mittler­weile zu den inter­national ange­sehen­sten und profilier­testen Museen seiner Art. Matthias Wagner K be­kleidet zudem seit 2018 eine ehren­amtliche Honorar­professur für Design Curating and Criticism an der HfG Offen­bach, ist einer der drei Intendant­*innen für Theater der Welt 2023 Frankfurt / Offenbach. Er ist Mitglied im Kura­torium der Peter und Irene Ludwig Stift­ung und der Stift­ung Urban Future Forum e.V.


Diese Folge des DDCAST ist in Kooperation mit der Wirtschaftsförderung Frankfurt zu den Themen rund um Design for Democracy entstanden.



LINKS
Bewerbung Frankfurt Rhein/Main um den Titel World Design Capital 2026
Leibniz-Institut Hessische Stiftung Friedens- und Konfliktforschung
MAK Frankfurt
Peter und Irene Ludwig Stiftung 
Stiftung Urban Future Forum

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Veröffentlichung: 19.12.2022

123 — Thomas Rempen
Kurt Weidemann zum 100.

Kurt Weidemann (1922–2011) war einer der prägen­den Ge­stalter und Typo­grafen des 20. Jahr­hun­derts. Von ihm stammen Cor­porate Designs zahl­reicher Kon­zerne, neben Mercedes Benz, der Deutsche Bahn, Porsche und Zeiss gehört auch co op dazu. Die von ihm ge­zeichnete Schrift­familie Corpor­ate A.S.E. für Mercedes Benz gehören zu den welt­weit besten Corporate Schriften. Die Biblica (1979), die ITC Weide­mann und die Klett Domus sind heraus­ragende Bei­spiele für perfekt durch­ge­arbeitete Schriften. Er studierte an der Staat­lichen Aka­demie der Bilden­den Künste in Stutt­gart, wo er später auch lehrte. Von 1965 bis 1985 hatte er den Lehr­stuhl für „Infor­­mation und Grafische Praxis“ inne. Neben seiner typo­grafischen Tätig­keit und seinen Corporate Designs ist seine schrift­steller­ische Tätig­keit bemerkens­wert. Er pflegte, nicht zu­letzt durch ein regel­mäßiges Cultur­früh­stück bei ihm zu Hause, einen großen Freundes­kreis und war mit zahl­reichen Künstlern aller Genres, sowie mit Politikern und Wirt­schafts­führern von Welt­rang eng befreundet.

Thomas Rempen (*1945) studierte an der Kunst­akade­mie Stutt­gart u.a. bei Kurt Weide­mann. Später arbeitete er mit Kurt Weide­mann u.a. für den Kunden Daimler Benz und war ihm lebens­lang als Freund ver­bunden. Nach dem Diplom an der Werk­kunst­schule Wupper­tal gründete er 1972 mit Partnern seine erste Werbe­agentur. Rempen & Partner, seine 1994 ge­gründete zweite Agentur, zählte zu den kreativ­sten des Landes. Die Agentur-Tochter wysiwyg soft­ware design kon­zipiert mit „Spiegel Online“ das erste Online-Magazin der Welt. Im An­schluss an die erfolg­lose Suche nach geeig­neten Büro­räumen, entwickelte er 1989 mit der Stadt Düssel­dorf für den alten Hafen einen Architek­tur­park. Dort baute er mit Frank Gehry von 1994–98 den Neuen Zollhof. Thomas Rempen lebt heute im Münster­land, wo er auf dem eigenen Bio­land­bau-Betrieb als Projekt­ent­wickler arbeitet. 2011 bekam er das Verdienst­kreuz 1. Klasse der Bundes­republik Deutsch­land zuerkannt.

Ausgewählte Schriften von von Kurt Weidemann
  Denken_Ordnen_Gestalten: Alfred Herrhausen. Berlin 1990, ISBN 3-88680-399-6   Wahrnehmen und Ideen finden. Sehen als Denkvorgang. Wiesbaden 2004, ISBN 3-409-12679-1.   Kurtstexte. Essays, Interviews und Reden. 4. Auflage. AV-Edition. Stuttgart 1998, ISBN 3-929638-21-5.   Wahrnehmen, Ideen finden, Gestalt geben. Hatje/Cantz, Ostfildern-Ruit 2004, ISBN 3-7757-9167-1.   Wo der Buchstabe das Wort führt. Ansichten über Schrift und Typographie. 4. Auflage. Cantz, Ostfildern 2006, ISBN 3-89322-521-8.   Worte und Werte. Schmidt, Mainz 2005, ISBN 3-87439-690-8.   Wortarmut. Im Wettlauf mit der Nachdenklichkeit. Cantz, Ostfildern 1995, ISBN 3-89322-643-5.   Worte. Auf die Waage gelegt, auf die Schippe genommen. Hatje Cantz, Ostfildern-Ruit 2000, ISBN 3-7757-9037-3.   Kaum ICH, Die Feldtagebücher und die Gefangenschaft von Kurt Weidemann 1940–1950. Kurt Weidemann 2002, OCLC 700310284.   Beiträge und Typographische Beilagen als Schriftleiter der Fachzeitschrift Der Druckspiegel 1959 und in weiteren Design-Zeitschriften

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Veröffentlichung: 15.12.2022

122 — Hans Ulrich Reck
Design / Theorie

Hans Ul­rich Reck, ge­bo­ren 1953 in Schö­nen­werd (Schweiz), auf­ge­wach­sen in Ba­sel, ver­hei­ra­tet mit Chris­ti­ne Brugg­mann, der Mut­ter ei­ner ge­mein­sa­men, mitt­ler­wei­le er­wach­se­nen Toch­ter, ist Phi­lo­soph, Kunst­wis­sen­schaft­ler und Pu­bli­zist, hat an et­li­chen Aus­stel­lun­gen mit­ge­ar­bei­tet und vie­le Sym­po­si­en or­ga­ni­siert, ver­an­stal­tet und mo­de­riert, ei­ni­ge da­von mit de­zi­diert in­ter­na­tio­na­lem und for­schungs­in­no­va­ti­vem Zu­schnitt. Er hat, welt­weit, Vor­trä­ge ge­hal­ten, Work­shops im In- und Aus­land durch­ge­führt, zahl­rei­che Bü­cher ver­fasst und her­aus­ge­ge­ben so­wie, noch zahl­rei­cher, Es­sais für Zei­tun­gen, Zeit­schrif­ten, vor­wie­gend aber für in ver­schie­de­nen Ver­la­gen er­schie­ne­ne Sam­mel­bän­de ge­schrie­ben. Er pu­bli­zier­te ab 2001, ei­ne Pio­nier­leis­tung, die aus heu­ti­ger Sicht tri­vi­al und selbst­ver­ständ­lich ge­wor­den ist, „au­diolec­tures“ im Netz. Es han­delt sich um Ra­dio mit Bil­dern, was kein Strea­m­ing dar­stellt und auch kein e-learning be­zweckt. Ei­ne Vor­form der spä­ter erst be­kannt ge­wor­de­nen Blog-Mög­lich­kei­ten war zwar vor­ge­se­hen, blieb aber ein ru­di­men­tä­rer An­satz. Reck ist Au­tor ei­ner Dop­pel-Au­dio-CD und ent­wi­ckel­te nach 2008 ein neu­ar­ti­ges Edi­ti­ons­kon­zept ei­ner in­ter­ak­tiv ver­än­der­ba­ren Ge­samt­aus­ga­be von Schrif­ten, Tex­ten, Text­stu­fen, für wel­ches ein Team von Wis­sen­schaft­lern, Pro­gram­mie­ren, De­si­gnern vor­ge­se­hen war, die ein ma­schi­nisch ge­stütz­tes, par­ti­zi­pa­ti­ves, fle­xi­bel je­der­zeit ver­än­der­li­ches Ge­samt­werk zu ent­wi­ckeln be­ab­sich­tig­ten („de­ep learnin­g“, „big da­ta“ wa­ren da­mals eben­falls noch nicht so ge­läu­fi­ge Ka­te­go­ri­en).

Reck war die letz­ten sechs Jah­re sei­nes in­sti­tu­tio­nel­len Be­rufs­le­bens, von 2014 bis zu sei­ner Pen­sio­nie­rung im April 2020 Rek­tor der Kunst­hoch­schu­le für Me­di­en Köln, und in die­ser Pe­ri­ode für drei Jah­re Spre­cher der Rek­to­ren­kon­fe­renz der deut­schen Kunst­hoch­schu­len. In bei­den Auf­ga­ben setz­te er sich un­be­dingt für ei­ne Kunst­pra­xis ein, die auf voll­kom­me­ner Frei­heit und ra­di­ka­lem Ex­pe­ri­ment be­ruht. Zu­rück zu ei­ni­gen An­fän­gen.

Hans Ul­rich Reck stu­dier­te – u. a. bei Ernst Bloch, Wal­ter Schulz, Ot­to F. Boll­now, Hel­mut Fah­ren­bach, Jo­sef Si­mon, Kon­rad Hoff­mann, Do­nat de Cha­peau­rouge, Klaus Schwa­ger, Jür­gen Paul, Hans Ott, Hans May­er, Wal­ter Jens und Wil­fried Bar­ner – Phi­lo­so­phie, Kunst­ge­schich­te und neue­re deut­sche Li­te­ra­tur­wis­sen­schaft an der Uni­ver­si­tät Tü­bin­gen (Ab­schluss mit dem Ma­gis­ter Ar­ti­um 1976; Ge­samt­no­te: 1) und Kom­mu­ni­ka­ti­ons­de­sign – bei Ba­zon Brock – an der Ber­gi­schen Uni­ver­si­tät Wup­per­tal. Er wur­de dort 1989 in Phi­lo­so­phie mit ei­ner Ar­beit über Äs­the­ti­ken in ak­tu­el­len Kul­tur­theo­ri­en pro­mo­viert (mit dem Ge­samt­prä­di­kat sum­ma cum lau­de) und ha­bi­li­tier­te sich 1991 mit der ve­nia le­gen­di für „Äs­the­tik und all­ge­mei­ne Kunst­wis­sen­schaf­t“ auf Grund­la­ge der Schrift „Zu­ge­schrie­be­ne Wirk­lich­keit. All­tags­kul­tur, De­sign, Kunst, Film und Wer­bung im Brenn­punkt von Me­di­en­theo­rie“.

Von 1976 an ar­bei­te­te er als Jour­na­list und frei­er Au­tor/ Pu­bli­zist, seit 1979 au­ßer­dem als Leh­rer, 1987 er­warb er am Päd­ago­gi­schen In­sti­tut/ Kan­to­na­len Leh­rer­se­mi­nar Ba­sel Stadt ei­ne Lehr­be­fä­hi­gung in „Kunst­ver­mitt­lung/ Kunst­er­zie­hun­g“ (gym­na­sia­le Ober­stu­fe). 1976 bis 1987 viel­fäl­ti­ge Tä­tig­keit in der Er­wach­se­nen­bil­dung, u. a. an ver­schie­de­nen Volks­hoch­schu­len und Schu­len für so­zia­le Ar­beit so­wie, von 1977 bis 1984 als Be­ra­ter der „Stif­tung Stu­di­en­bi­blio­thek zur Ge­schich­te der Ar­bei­ter­be­we­gun­g“ in Zü­rich. 1979 Mit­grün­der, war er bis 1981 auch Lei­ter ei­nes Kul­tur- und Ver­an­stal­tungs­zen­trums in Ba­sel, 1983 bis 1986 Re­dak­teur des „Bul­le­tin des Schwei­ze­ri­schen Büh­nen­ver­ban­des“, das er neu kon­zi­pier­te und drei Mal pro Jahr zur Ver­öf­fent­li­chung brach­te. Im Auf­trag der Di­rek­ti­on des Schwei­ze­ri­schen Büh­nen­ver­ban­des ver­fass­te er im Mai 1986 ei­ne Ex­per­ti­se über die Be­deu­tung von Spon­so­ring, Thea­ter­kri­tik, dra­ma­tur­gi­scher För­de­rung im Rah­men neu kon­zi­pier­ter Kul­tur­po­li­tik.

Auf­grund ei­nes öf­fent­li­chen, an­ony­men Wett­be­werbs wur­de er 1983 zum Vor­sit­zen­den des Ar­beits­ra­tes des In­ter­na­tio­na­len De­sign Zen­trums (IDZ) in Ber­lin be­stellt – ei­ne Funk­ti­on, die er bis 1986 aus­üb­te und die zu ei­ner mit dem Di­rek­tor des IDZ François Burk­hardt ab­ge­stimm­ten, reich­hal­ti­gen Ver­an­stal­tungs­tä­tig­keit führ­te. Dar­in und ge­ne­rell seit die­ser Zeit viel­fäl­ti­ge, an­hal­ten­de Zu­sam­men­ar­beit mit Ba­zon Brock. Von 1982 bis 1995 war Hans Ul­rich Reck Do­zent für Kunst­ge­schich­te, Ar­chi­tek­tur- und De­sign­theo­rie, Vi­su­el­le Kom­mu­ni­ka­ti­on, Se­mio­tik, Äs­the­tik und Me­di­en­theo­rie an der Hö­he­ren Schu­le für Ge­stal­tung in Ba­sel, von 1989 bis 1995 au­ßer­dem an der Hö­he­ren Schu­le für Ge­stal­tung in Zü­rich. In Ba­sel hielt er in die­sen fünf­zehn Jah­ren re­gel­mä­ßig in Zy­klen or­ga­ni­sier­te – all­ge­mein­bil­dend re­le­van­tes Wis­sen breit ver­mit­teln­de – Über­blicks­vor­le­sun­gen über Eu­ro­päi­sche Kunst­ge­schich­te von der An­ti­ke bis zur Ge­gen­wart so­wie über Ar­chi­tek­tur­ge­schich­te und De­sign­theo­rie. In Zü­rich führ­te er ne­ben Theo­rie-Un­ter­richt und Di­plom­pro­jekter­ar­bei­tun­gen und -rea­li­sie­run­gen auch prä­gen­de Theo­rie-Ge­stal­tungs-Pro­jek­te in Ko­ope­ra­ti­on mit Al­do Wal­ker und An­dré V. Heiz durch.

Im Kon­text der Leh­re und ge­mäß der Auf­fas­sung von der Ein­heit der Küns­te und der un­ver­zicht­ba­ren Ana­ly­se der Kunst an den Ori­gi­na­len wur­den – ne­ben ste­ti­gen Übun­gen in Kunst- und an­de­ren Mu­se­en an den Un­ter­richts­or­ten – seit 1985 zahl­rei­che kunst-, kul­tur-, stadt- und ar­chi­tek­tur­ge­schicht­lich ge­führ­te Ex­kur­sio­nen/ Stu­di­en­rei­sen zu The­men von der Re­nais­sance bis zur Ge­gen­wart durch­ge­führt u. a. nach/ durch Stutt­gart/ Frank­furt (1989); Mön­chen­glad­bach/ Düs­sel­dorf/ Köln (1992); Köln/ Bonn (2000); Wien (1987, 1989, 2005); Rom (1985, 1988, 2001); Bur­gund und Über­gän­ge (1987: Di­jon, Au­tun, Vé­zel­ay, Or­léans, Char­tres, Pa­ris; 2007: Tour­nus, Cha­pai­ze, Au­tun, Vé­zel­ay, Fon­ten­ay, Beau­ne, Di­jon); Pa­ris (1987, 1991, 1998); Prag (1991); Mos­kau/ Le­nin­grad (1985); Is­tan­bul (1989); Ber­lin (1997); Bar­ce­lo­na (2003); Co­mo/ Pa­dua/ Fer­ra­ra/ Sa­bi­o­net­ta/ Man­tua/ Ra­ven­na/ Udi­ne/ Pal­ma No­va/ Ve­ne­dig (1999); Pa­ler­mo/ Ce­falú/ Se­ges­ta/ Eri­ce/ Ma­za­ra del Val­lo/ Ca­s­tel­ve­tra­no/ Se­lin­unt/ Gi­bel­li­na (2007); die Py­re­nä­en (mit Fo­kus­sie­run­gen zu/ in: Per­pi­gnan/ El­ne/ Cé­ret/ Ser­rabo­ne/ St. Mi­chel-de-Cu­xa/ St- Mar­tin-du-Ca­ni­gou, Col­liou­re/ Port Bou/ San Pe­re de Ro­da/ Fi­gue­res/ Bar­ce­lo­na 2003); Flan­dern/ Bra­bant (Brüg­ge/ Gent, Ant­wer­pen/ Bru­xel­les 2004), Cor­do­ba/ Gra­na­da (2010), Ba­sel/ Nif­fer-Kembs/ Bel­fort/ Ron­champ/ Be­sançon/ Arc-et-Sen­ans (2011), Nan­cy (2012), Ly­on/ Fir­mi­ny (2013).

Von 1986 bis 1998 er­folg­te die pe­ri­odisch in­ten­si­ve Zu­sam­men­ar­beit mit Mar­tin Hel­ler für Aus­stel­lun­gen, Ka­ta­lo­ge, Sym­po­si­en (Mu­se­um für Ge­stal­tung Zü­rich). Die Pro­jekt­mit­ar­beit am Mu­se­um für Ge­stal­tung Zü­rich um­fass­te al­le Nu­an­cie­run­gen von all­ge­mei­ner Pla­nungs­be­ra­tung, si­tua­ti­ver Kon­zep­tana­ly­se (z. Bsp. von „Räu­me im be­setz­ten Lan­d“, „Si­cher­heit und Zu­sam­men­ar­beit“, „Uni­ver­sal. Über­all-Im­mer-Al­les“) punk­tu­el­ler The­men- und Pro­jekt­be­ra­tung (z. Bsp. „An­schlä­ge. Pla­katspra­che in Zü­rich: 1978-88“, „Mehr­wer­te“, „Zeit­rei­se. Bil­der-Ma­schi­nen-Stra­te­gi­en-Rät­sel“) bis hin zur aus­grei­fen­den Ko­ope­ra­ti­on und Ko-Rea­li­sie­rung von Aus­stel­lun­gen. Oh­ne Zwei­fel ragt in die­ser Pe­ri­ode we­gen der gro­ßen Re­so­nanz die zwi­schen 1986 und 1989 auf der Ba­sis lang­jäh­ri­ger wis­sen­schaft­li­cher Re­cher­chen in Teams er­ar­bei­te­te und rea­li­sier­te Aus­stel­lung mit dem Ti­tel „Imi­ta­tio­nen. Nach­ah­mung und Mo­dell. Von der Lust am Fal­schen“ her­aus (Über­nah­men in Ha­gen und Ber­lin). Als wich­ti­ge Ko­pro­duk­ti­on mit der Hö­he­ren Schu­le für Ge­stal­tung ist au­ßer­dem zu nen­nen „Eu­pho­rie und Elend. Be­rufs­feld vi­su­el­le Ge­stal­tun­g“ (April 1991-Ju­li 1992) und die 1996 aus­ge­rich­te­te Ta­gung „‚Äs­the­tik‘ nach der Ak­tua­li­tät des Äs­the­ti­schen. Ein Sym­po­si­um zu Per­spek­ti­ven der Kul­tur­ent­wick­lung aus An­lass des 60. Ge­burts­ta­ges von Ba­zon Bro­ck“ (kon­zi­piert, or­ga­ni­siert und mo­de­riert von Hans Ul­rich Reck und Mar­tin Hel­ler, mit Vor­trä­gen von Hans Ul­rich Reck, Diet­mar Kam­per, Beat Wyss, Jean-Jac­ques Le­bel, Ba­zon Brock, Mi­cha­el Erl­hoff, Hin­derk M. Em­rich, Dirk Ba­ecker).

Von 1984 bis heu­te sind zu ver­zeich­nen zahl­lo­se Vor­trä­ge (in deutsch, eng­lisch, fran­zö­sisch), Sym­po­si­en (als Ver­an­stal­ter und Bei­tra­gen­der), work­shops, Ta­gun­gen und wei­te­res zu den ver­zweig­ten Ar­beits­ge­bie­ten (Phi­lo­so­phie, Äs­the­tik, Kunst­ge­schich­te, Kunst­wis­sen­schaft und -theo­rie, Ar­chi­tek­tur und De­sign, Ur­ba­nis­tik. Se­mio­tik) in vie­len Städ­ten Deutsch­lands, Ös­ter­reichs und der Schweiz so­wie u. a. in Ams­ter­dam, Bom­bay, Sâo Pau­lo, Chi­ca­go, New York, Rom, Pa­ris, Ve­ne­dig, Bar­ce­lo­na, Syd­ney.

Mit Alois Mar­tin Mül­ler und Jörg Hu­ber kon­zi­pier­te Hans Ul­rich Reck die 1991 be­gin­nen­de Vor­trags­rei­he „In­ter­ven­tio­nen“ (als Buch­rei­he er­schie­nen bis 1998 im Ver­lag Stro­em­feld/ Ro­ter Stern Ba­sel/ Frank­furt). 1990/ 91 Kon­zep­ti­on und Her­aus­ga­be der Rei­he „Quer­schüs­se“ (Key­ser Ver­lag Mün­chen). 1992-1995 ar­bei­te­te er als Vor­ste­her der Lehr­kan­zel und Pro­fes­sor für Kom­mu­ni­ka­ti­ons­theo­rie an der Hoch­schu­le für an­ge­wand­te Kunst in Wien. 1995 wur­de Hans Ul­rich Reck zum Pro­fes­sor für Kunst­ge­schich­te im me­dia­len Kon­text an die Kunst­hoch­schu­le für Me­di­en Köln be­ru­fen. Im Rah­men sei­ner Ar­beit an der KHM ent­wi­ckel­te er mit Sieg­fried Zie­lin­ski und Nils Röl­ler das „Jahr­buch für Küns­te und Ap­pa­ra­te La­b“ (1996-2006 in ins­ge­samt sie­ben Bän­den im Ver­lag der Buch­hand­lung Walt­her Kö­nig Köln er­schie­nen). Von 2014 an ent­wi­ckel­te Reck zu­sam­men mit dem Ver­le­ger Her­bert von Ha­lem in Köln ei­ne Buch­rei­he „Edi­ti­on KHM“, in der in den fol­gen­den Jah­ren ei­ni­ge Ti­tel er­schie­nen sind, die von ei­ner Kri­tik der mu­sea­len Äs­the­tik Eu­ro­pas am Bei­spiel der dis­si­den­ten Küns­te/ Ar­te­fak­te Afri­kas über ei­ne The­ma­ti­sie­rung von En­de und Ak­tua­li­tät der Lit­faß­säu­le, die me­dia­le Äs­the­tik der Sport­be­richt­er­stat­tung als Ge­schich­te der Ent­ste­hung des Me­di­en­sports, ei­ne The­ma­ti­sie­rung der künst­le­ri­schen Ar­beit „Re­mo­te­word­s“ von Achim Moh­né/ Uta Kopp un­ter dem Ti­tel „Or­bi­ta­le Ir­ri­ta­tio­nen“ und ei­ne Aus­ein­an­der­set­zung mit neu­en Werk­zeu­gen und Ar­chi­ven im Be­reich der Fo­to­gra­fie reicht. Die Rei­he wur­de 2017 er­öff­net mit dem Band „Ri­tual­kunst“ zwi­schen Kult und Mu­se­um – Dis­so­nan­te Äs­the­ti­ken am Bei­spiel Afri­kas. Mit ei­nem Bei­trag von Chris­ti­ne Brugg­mann „Hom­mage an Afri­ka“.

Als Ex­per­ten­tä­tig­keit und Kom­mis­si­ons­mit­ar­beit von 1993 bis 2002 sind aus­wahls­wei­se zu nen­nen: Wett­be­werbs­ju­ry für die Neu­ge­stal­tung der ös­ter­rei­chi­schen Bun­de­s­tro­phäe (1993); Ex­per­ten­kom­mis­si­on (in­cl. Mit­ar­beit in der Ju­rie­rung von Wett­be­werb/ Pla­nung) der Schu­le für Ge­stal­tung des Kan­tons Aar­gau CH (1990-1994); Mit­ar­beit in der Be­ru­fungs­kom­mis­si­on für die Erst­be­ru­fung der künst­le­ri­schen Pro­fes­su­ren des neu ge­grün­de­ten Stu­di­en­be­reichs „Neue Me­di­en“ an der Hoch­schu­le für Kunst und Ge­stal­tung Zü­rich (1998); Mit­glied­schaft in der Be­ru­fungs­kom­mis­si­on für die Be­stel­lung der De­par­te­ments­lei­tung „cul­tu­ral stu­dies“ an der Hoch­schu­le für Kunst und Ge­stal­tung Zü­rich (2000) und als ex­ter­nes Mit­glied in der Be­ru­fungs­kom­mis­si­on für die Be­stel­lung der C4-Pro­fes­sur „Me­di­en­theo­ri­en“ an der Hum­boldt Uni­ver­si­tät zu Ber­lin (Phi­lo­so­phi­sche Fa­kul­tät III; 2002). Hans Ul­rich Reck war 2002 auch Mit­glied der Ex­per­ten­kom­mis­si­on „Vi­su­el­le Kom­po­si­ti­on“ für die Ein­rich­tung ei­nes neu­en Stu­di­en­gan­ges an der Folk­wang Hoch­schu­le Es­sen. Au­ßer­dem war Hans Ul­rich Reck tä­tig an ver­schie­de­nen Ab­schluss- und Zwi­schen­prü­fun­gen der Hoch­schu­le der Küns­te Zü­rich (Mas­ter of Fi­ne Arts/ Ver­tie­fung Theo­rie 2012, Mas­ter in Trans­dis­zi­pli­nä­ren Stu­di­en 2013) und war er Mit­glied des Ar­beits­krei­ses „Äs­the­ti­k“ des „In­sti­tu­tes für Theo­rie“ (ith) der ZH­dK von 2010 bis 2012. Zu­dem wirk­te er als Mit­glied der Gut­ach­ter­kom­mis­si­on/ Ju­ry zur Aus­schrei­bung „Will­kom­men in der Wis­sen­schaf­t“ im Auf­trag des Mi­nis­te­ri­ums für Wis­sen­schaft, For­schung und Kunst (er­nannt auf Vor­schlag der Lan­des­rek­to­ren­kon­fe­renz der Kunst­hoch­schu­len BW, Mi­nis­te­ri­um für Wis­sen­schaft, For­schung und Kunst BW, Stutt­gart Ju­li 2012).

Von 1988 bis 2006 wirk­te Hans Ul­rich Reck als be­ra­ten­der Mit­her­aus­ge­ber der Buch­rei­he „Con­fe­rence: Ger­man Li­tera­ry Theo­ry and Cul­tu­ral Stu­dies“ (Ge­ne­ral Edi­tor: Li­lia­ne Weiss­berg), Way­ne Sta­te Uni­ver­si­ty Press De­troit, Mi­chi­gan. Seit 1996 ist er Her­aus­ge­ber der, 2006 „aus­ge­lau­fe­nen“, Buch­rei­he „Me­di­en­kul­tur“, Sprin­ger Ver­lag, Wien/ New York. In die­ser Rei­he sind Bü­cher er­schie­nen von Ma­rie-Lui­se An­ge­rer, Karl­heinz Barck, Jörg Be­cker, Bern­hard Dotz­ler, Eli­sa­beth I. Ei­sen­stein, Man­fred Fa­ß­ler, Tom Fecht, Ul­rich Hei­de, Ha­rold Adam In­nis, Diet­mar Kam­per, Wolf­gang Mül­ler-Funk, Kath­rin Pe­ters, Hans Ul­rich Reck, Zoë So­fou­lis, Ha­rald Szee­mann, Ge­org Tro­ge­mann, Jo­chen Vie­hoff, Nor­bert Wie­ner.

Im Som­mer und Herbst 1999 er­ar­bei­te­te Hans Ul­rich Reck zu­sam­men mit dem In­for­ma­tik-Kol­le­gen der KHM, Prof. Dr. Ge­org Tro­ge­mann ein Mo­dell­ver­such/ For­schungs­pro­jekt im Auf­trag der Bund-Län­der-Kom­mis­si­on für die KHM und wei­te­re Hoch­schu­len. In­iti­ie­rung, Co-Lei­tung und Rea­li­sie­rung die­ses Mo­dell­ver­suchs im Rah­men des von der bun­des­re­pu­bli­ka­ni­schen Bund-Län­der-Kom­mis­si­on ge­tra­ge­nen Man­tel­pro­jek­tes „Kul­tu­rel­le Bil­dung im Me­di­en­zeit­al­ter“ („Ku­bim“) wur­de an­ge­legt und durch­ge­führt als wis­sen­schaft­li­che Grund­la­gen­for­schung (Lei­tung: Prof. Dr. Hans Ul­rich Reck und Prof. Dr. Ge­org Tro­ge­mann, Mit­ar­beit: Dr. Ste­fan Rö­mer, Scho­en­er­wis­sen – An­ne Pas­cu­al/ Mar­cus Hau­er; Trä­ger: Kunst­hoch­schu­le für Me­di­en Köln) un­ter dem Ti­tel „In­for­ma­tik, künst­le­ri­sche Prak­tik und Kunst­theo­rie der di­gi­ta­len Bild­tech­no­lo­gi­en“ (ab 2001 mo­di­fi­ziert un­ter dem Ti­tel „KIT - Kunst - In­for­ma­tik - Theo­rie“). Die aus­grei­fen­den Ar­bei­ten dar­an er­streck­ten sich von Herbst 1999 bis zum Som­mer 2003. Viel be­ach­te­te Buch- und Netz­pu­bli­ka­tio­nen gin­gen dar­aus her­vor (Hans Ul­rich Reck, Kunst als Me­di­en­theo­rie. Vom Zei­chen zur Hand­lung, 2003; Ge­org Tro­ge­mann/ Jo­chen Vie­hoff, Code@Art. Ei­ne ele­men­ta­re Ein­füh­rung in die Pro­gram­mie­rung als künst­le­ri­sche Prak­tik, 2005; Code@Art wur­de eben­falls rea­li­siert als Netz-Werk­zeug; Hans Ul­rich Reck mit Scho­en­er­wis­sen/ Of­CD, txt­kit 1.0 Vi­su­al Text Mi­ning Tool, CDR und Netz-Tool, 2004).

1999/ 2000 – auf Ein­la­dung von Mi­cha­el Erl­hoff – Mit­kon­zep­ti­on und Be­ra­tung für Aus­stel­lung und Ka­ta­log „Heu­te ist mor­gen. Über die Zu­kunft von Er­fah­rung und Kon­struk­ti­on“ (Kunst- und Aus­stel­lungs­hal­le der BRD, Bonn), wo­für er auch ei­nen das ei­ge­ne Werk und Den­ken plas­tisch mo­del­lie­ren­den Aus­stel­lungs- und Ka­ta­log­bei­trag er­ar­bei­te­te. Von 1998 bis 2000 bil­de­te er zu­sam­men mit Hart­mut Böh­me, Chris­ti­na von Braun, Mar­tin Burck­hardt, Wolf­gang Coy und Fried­rich Kitt­ler die Pro­gramm­kom­mis­si­on für die Aus­rich­tung der „In­ter­face 5“, die un­ter dem Ti­tel „Po­li­tik der Ma­schine“ im Auf­trag der Ham­bur­ger Kul­tur­be­hör­de – mit Sym­po­si­en, work­shops, Vor­trä­gen und Aus­stel­lung – im Sep­tem­ber und Ok­to­ber 2000 in Ham­burg durch­ge­führt und spä­ter in ei­ner um­fang­rei­chen Pu­bli­ka­ti­on do­ku­men­tiert und re­flek­tiert wor­den ist.

Vom No­vem­ber 2002 bis April 2003 er­ar­bei­te­te Hans Ul­rich Reck im Auf­trag des Rek­to­ra­tes der Hoch­schu­le für Ge­stal­tung und Kunst Zü­rich ei­ne um­fang­rei­che Ex­per­ti­se über die Rol­le der Theo­rie­fä­cher an Kunst­hoch­schu­len so­wie Vor­schlä­ge für ei­ne Re­form der Theo­rie­aus­bil­dung un­ter Be­rück­sich­ti­gung der spe­zi­el­len Ver­hält­nis­se an der HG­KZ (heu­te ZH­dK) mit wei­ter­füh­ren­den Ma­te­ria­li­en zur Ge­schich­te der Künst­ler­aus­bil­dung, zu Wis­sen­schafts- und Kunst­theo­rie und, kom­pa­ra­tis­tisch, zum Stand an in­ter­na­tio­nal ver­gleich­ba­ren an­de­ren Hoch­schu­len.

Seit 2004 an der KHM Köln Auf­bau ei­nes Pro­mo­ti­ons­stu­di­en­gan­ges. Seit 1992 Be­treu­ung von Dis­ser­ta­tio­nen in Ko­ope­ra­ti­on mit ver­schie­de­nen Uni­ver­si­tä­ten (v. a. Wup­per­tal, Ber­lin, Gie­ßen) so­wie Ab­nah­me von Ha­bi­li­ta­tio­nen (vor­ran­gig Uni­ver­si­tät Wup­per­tal).

Seit 1998 ar­bei­tet Hans Ul­rich Reck – ne­ben den Tä­tig­kei­ten in Leh­re, aka­de­mi­scher Ad­mi­nis­tra­ti­on und Ver­mitt­lung – an meh­re­ren For­schungs­strän­gen. Der ers­te wid­met sich der Fra­ge, in wel­cher Wei­se die Pro­ble­ma­tik der Un­ter­schei­dung von Träu­men/ Den­ken/ Vor­stel­len so­wie die in oft un­durch­schau­bar ge­las­se­nen Ana­lo­gi­en sich ar­ti­ku­lie­ren­den Kunst­for­men des Traums und die Ima­gi­na­ti­ons­for­men der Vi­si­on mit den all­ge­mei­nen Phä­no­me­nen des Bild­li­chen zwi­schen Wahr­neh­men und Vor­stel­len in Ver­bin­dung ste­hen. Da­bei spielt die Hy­po­the­se ei­ne be­deu­ten­de Rol­le, dass Traum und Vi­si­on von den Dar­stel­lun­gen der Kunst und den Kunst­for­men des Ima­gi­nä­ren in his­to­ri­schen Zä­su­ren be­ein­flusst wer­den. Die­ses Vor­ha­ben ist 2010 Buch von fast 800 groß­for­ma­ti­gen Sei­ten im Fink-Ver­lag Mün­chen er­schie­nen.

Ein zwei­ter The­men­strang be­schäf­tigt sich in et­li­chen Schrit­ten, Etap­pen und Ver­öf­fent­li­chun­gen mit dem in­ter­nen theo­re­ti­schen Ge­halt der Küns­te und des De­signs, be­son­ders die­ses Jahr­hun­derts, im Hin­blick auf ei­ne erst durch sie er­mög­lich­te, von ih­nen un­trenn­ba­re Rhe­to­rik der Form­ge­bung. Die Be­schäf­ti­gung mit avan­cier­ten For­men ei­ner „Kunst durch Me­di­en“ dient al­ler­dings kei­nes­wegs ei­ner Fei­er des Ak­tu­el­len, son­dern im Ge­gen­teil ei­ner Schär­fung der Rück­be­sin­nung auf die Reich­tü­mer der bis­he­ri­gen Kunst­ge­schich­te. In der 2003 er­schie­ne­nen aus­grei­fen­den Ab­hand­lung „Kunst als Me­di­en­theo­rie – Vom Zei­chen zur Hand­lun­g“ eben­so wie in der vor­be­rei­ten­den Ex­po­si­ti­on da­zu un­ter dem Ti­tel „My­thos Me­di­en­kunst“ (2002) spie­len bei­spiel­ge­ben­de Mo­men­te der bis­he­ri­gen Küns­te und Kunst­ge­schich­te aus evi­den­ten qua­li­ta­ti­ven Grün­den ei­ne tra­gen­de Rol­le, z. Bsp. die Ge­schich­te der Por­trait­ma­le­rei seit der Re­nais­sance, die zwi­schen Sicht­bar­keits­kult und her­me­ti­scher Al­le­go­rie os­zil­lie­ren­den Re­fe­renz­mo­del­le von „na­tu­re mor­te“ und hol­län­di­schem Still­le­ben, die „réa­li­sa­ti­ons“ von Paul Cé­zan­ne, Bild­funk­tio­nen aus der Ge­schich­te des Rea­lis­mus­be­griffs. Die Pu­bli­ka­ti­on „Sin­gu­la­ri­tät und Sitt­lich­keit. Die Kunst Al­do Wal­kers in bild­rhe­to­ri­scher und me­di­en­phi­lo­so­phi­scher Per­spek­ti­ve“ bil­det mit den bei­den eben ge­nann­ten Bü­chern ei­ne zwar nicht so ge­kenn­zeich­ne­te, in­halt­lich aber über­aus kla­re Tri­lo­gie.

„Kunst als Me­di­en­theo­rie“ und „Traum. En­zy­klo­pä­die“ (2010) sind in wei­te­ren Schrit­ten er­gänzt wor­den durch in zwei Bän­den pu­bli­zier­ten Stu­di­en zu ei­ner Epis­te­mo­lo­gie des Bil­des aus der Sicht der Küns­te. Die in letz­ter Zeit im­mer zahl­rei­cher her­vor­tre­ten­den – und auch lau­ter wer­den­den – Be­mü­hun­gen um ei­ne kunst­wis­sen­schaft­lich grun­dier­te Bild­theo­rie kön­nen im­mer we­ni­ger ver­ber­gen, dass hier­bei ei­ne an­ge­mes­se­ne wis­sen­schaft­li­che Auf­ar­bei­tung von neu­ro­lo­gi­schen, psy­cho-epis­te­mo­lo­gi­schen und ge­ne­rell wahr­neh­mungs­psy­cho­lo­gi­schen Er­kennt­nis­sen erst noch zu leis­ten ist. Das Pro­jekt ei­ner auf die we­sent­li­chen Be­den­ken der Kunst­ge­schich­te zu­ge­schnit­te­nen Er­ör­te­rung der Bild­phä­no­me­ne und -theo­ri­en, die deut­lich und ak­tiv von der bis­he­ri­gen Ver­mi­schung mit An­sprü­chen uni­ver­sa­ler Bild­theo­rie oder ei­ner auf vi­su­el­le Kul­tur ge­ne­rell und un­un­ter­schie­den aus­grei­fen­den uni­ver­sa­len Kunst­wis­sen­schaft al­ler nur denk­ba­ren Bild­ge­bun­gen sich ab­gren­zen, bil­det nicht nur für mich die we­sent­li­che For­schungs-Her­aus­for­de­rung der nächs­ten Jah­re.

In zwei um­fang­rei­chen Bän­den hat Hans Ul­rich Reck sei­ne dies­be­züg­li­chen Über­le­gun­gen im Jah­re 2007 der Öf­fent­lich­keit prä­sen­tie­ren dür­fen: „Das Bild zeigt das Bild sel­ber als Ab­we­sen­des. Zu den Span­nun­gen zwi­schen Kunst, Me­di­en und vi­su­el­ler Kul­tur“ ver­dich­tet die Ar­gu­men­ta­tio­nen in ei­nem Ge­flecht von Tex­ten, die auch als Samm­lung ei­ni­ger der aus sei­ner Sicht bes­ten Ab­hand­lun­gen noch­mals durch­ge­ar­bei­tet wor­den sind für die „Pu­bli­ka­ti­on letz­ter Han­d“. Me­dia­le Kunst­ge­schich­te, Au­tor­schaft, Re­zep­ti­on, Au­then­ti­zi­tät, Bil­der und vi­su­el­le Kom­mu­ni­ka­ti­on im Tech­no-Ima­gi­nä­ren spie­len dar­in ei­ne be­deu­ten­de Rol­le. „Ei­gen­sinn der Bil­der. Bild­theo­rie oder Kunst­phi­lo­so­phie?“ ent­fal­tet ei­ne Kri­tik am fal­schen he­ge­mo­nia­len Bild­deu­tungs­an­spruch sei­tens der Kunst­ge­schich­te nach ei­nem zu­nächst wich­ti­gen, dann aber zu­neh­mend in ei­ne pro­ble­ma­ti­sche Rich­tung ge­dreh­ten „ico­nic turn“. Ko­gni­ti­ons­theo­re­ti­sche und epis­te­mo­lo­gi­sche Ar­gu­men­te er­wei­tern im ge­nann­ten Band das Feld über ak­tu­el­le Bild­wis­sen­schafts­de­bat­ten hin­aus und re­la­ti­vie­ren die bild­theo­re­ti­sche De­bat­te durch kunst­phi­lo­so­phi­sche Ar­gu­men­ta­tio­nen und Denk­fi­gu­ren. Kern­stü­cke der Ver­öf­fent­li­chung sind Er­ör­te­run­gen zum vi­su­el­len Sam­pling und ein Ge­spräch mit Ba­zon Brock, in dem die­ser sei­ne ge­nui­ne, ori­gi­nä­re Kon­zep­ti­on der aus Kunst her­vor­ge­gan­ge­nen Evi­denz­kri­tik, al­so Kri­tik des Vi­su­el­len durch die aus den eu­ro­päi­schen Bild­küns­ten ent­wi­ckel­te Bild­lich­keit skiz­ziert.

Ein wei­te­res Werk hat 2007 pu­bli­ziert wer­den kön­nen, das in 140 Ka­pi­teln, über 580 Sei­ten und 820 Ab­bil­dun­gen al­le As­pek­te der Krea­ti­vi­täts­for­schung, ih­rer Be­zie­hun­gen zu den Küns­ten so­wie, ne­ben den Etap­pen, Zä­su­ren, Me­tho­do­lo­gi­en der De­sign­ge­schich­te und -theo­rie, vor al­lem die Kon­zep­ti­on ei­ner Ein­heit der Küns­te in der ent­wer­fen­den Ima­gi­na­ti­on des „di­se­gno“ be­han­delt. Ins­be­son­de­re wer­den das Ver­hält­nis von Kunst und Krea­ti­vi­tät un­ter­sucht und die eu­ro­päi­sche Kunst­aus­bil­dung so­wie de­ren haupt­säch­li­che Kon­zep­te und Prak­ti­ken in ei­nen trans­kul­tu­rel­len Kon­text ge­stellt, al­so die Küns­te aus zi­vi­li­sa­to­ri­scher Per­spek­ti­ve an­de­rer His­to­ri­en und Geo­gra­phi­en dis­ku­tiert. Afri­ka, Asi­en, Ab­ori­gi­ne-Aus­tra­li­en, auch die USA kom­men – in nicht-li­nea­rer Kom­ple­xi­tät un­ter Bei­ga­be von Na­vi­ga­ti­ons­mit­teln, Mar­kie­run­gen, Kar­ten, We­gen, Ver­wei­sun­gen – zur Spra­che.

Ein wei­te­res, nicht le­xi­ka­lisch, son­dern dis­kur­siv-se­quen­zi­ell aus­ge­führ­tes Buch mit Fall­stu­di­en zu ver­schie­de­nen Kul­tur­be­rei­chen und zi­vi­li­sa­to­ri­schen Geo­gra­phi­en the­ma­ti­siert er­neut die theo­re­ti­schen und me­ta­theo­re­ti­schen Be­din­gun­gen ei­nes an­ge­mes­se­nen Ver­ständ­nis­ses von Krea­ti­vi­tät. Ab­hand­lung und Dis­kurs steht un­ter dem Ti­tel „Kri­tik der Krea­ti­vi­tät“ und er­schien 2019 im Her­bert von Ha­lem Ver­lag Köln, in wel­chem auch die von ihm als Rek­tor der KHM (2014-2020) ge­grün­de­te Rei­he Edi­ti­on KHM er­schie­nen ist mit dem be­reits er­wähn­ten, po­ly­kul­tu­rell ori­en­tier­ten Pro­gramm. 2022 konn­te in der re­nom­mier­ten Rei­he „BIR­D“ des Birk­häu­ser Ver­lags Ba­sel ei­ne zwei­bän­di­ge Kom­pi­la­ti­on von de­sign­theo­re­ti­schen Tex­ten aus vier Jahr­zehn­ten ver­öf­fent­lich wer­den: „De­sign/ Theo­rie – Es­says 1982 bis 2020“.

Ver­voll­stän­digt wer­den kann die ex­em­pla­ri­sche Nen­nung von Edi­tio­nen mit ei­nem Hin­weis auf ei­ne in zwei Bän­den um­ge­setz­te Ko­ope­ra­ti­on mit Ba­zon Brock („Uto­pie und Evi­denz­kri­ti­k“/ „Tar­nen und Täu­schen“, Phi­lo/ Fi­ne arts Ver­lag Ham­burg, Rei­he „Fun­dus“ 2010), die ne­ben neu­en Tex­ten auch Re-Edi­tio­nen von ge­mein­sa­men wie in­di­vi­du­el­len Ana­ly­sen aus 25 Jah­ren zu Kunst und De­sign­theo­rie dar­bie­tet. Eben­falls 2010 er­schien, wie­der­um als Frucht ei­ner kon­ti­nu­ier­lich wie dis­kon­ti­nu­ier­lich über Jahr­zehn­te ent­wi­ckel­ten Ar­beit die als Ein­füh­rung in das Ge­samt­werk aus­ge­rich­te­te Stu­die zu Pier Pao­lo Pa­so­li­ni (Fink Ver­lag, Rei­he „di­rec­ted by“). Ei­ne kon­zen­trier­te, voll­stän­dig neu ge­fass­te Ab­hand­lung zum Ge­samt­werk Pa­so­li­nis er­schien un­ter dem Ti­tel „Der apo­ka­lyp­ti­sche An­ar­chis­t“ 2020 und 2021 in ei­ner deut­schen und ei­ner eng­li­schen Fas­sung im Ver­lag Spec­tor Books Leip­zig (in der Rei­he „Ana­ly­sis & Ex­ces­s“). Des wei­te­ren ei­ne Kunst­ge­schich­te der Im­pro­vi­sa­ti­on, ein Es­say­band, der auf Durch­ar­bei­tun­gen, Er­wei­te­run­gen und Re­vi­sio­nen vor­her ver­streut pu­bli­zier­ter Ab­hand­lun­gen be­ruht und den Ti­tel trägt „Spiel Form Küns­te“ (Phi­lo/ Fi­ne arts Ver­lag Ham­burg, Rei­he „Fun­dus“ 2010).

Zu er­wäh­nen ist auch ein 150 Mi­nu­ten dau­ern­des, auf ei­ner Dop­pel-Au­dio-CD – an­stel­le ei­ner zu­nächst ge­plan­ten – Ra­dio­sen­dung dar­ge­bo­te­nes Au­dio­por­trät des Poe­ten, Phi­lo­so­phen und Fil­mers Pier Pao­lo Pa­so­li­ni (Edi­ti­on Apol­lon Wus­ter­hau­sen 2012).

Im Rei­gen der hier aus­ge­wähl­ten und poin­tiert cha­rak­te­ri­sie­ren­den Tä­tig­kei­ten sei er­wähnt, dass seit 2008 kon­ti­nu­ier­lich die Ar­beit an der Be­reit­stel­lung der ar­chi­va­li­schen und for­schungs­stra­te­gi­schen Grund­la­gen für ei­ne neu­ar­ti­ge Edi­ti­on/ Re­dak­ti­on di­gi­tal ver­netz­ter, di­ver­ser und he­te­ro­ge­ner Ma­te­ria­li­en ver­folgt wird (Ar­beits­ti­tel: „Kon­zep­tua­li­sie­rung ei­ner In­ter­net-Edi­ti­on/ elek­tro­nisch ba­sier­ten Ge­sam­te­di­ti­on: ‚Schrif­ten, Lec­tu­res – ex­ten­ded ver­si­on. Ver­wei­se in Text, Bild, Ton‘“). Es geht da­bei, wie be­reits kurz an­ge­deu­tet, um ein avan­cier­tes kom­mu­ni­ka­ti­ves Vor­ha­ben für das In­ter­net und sei­ne neu­en, un­ter Aus­wer­tung der abend­län­disch-eu­ro­päi­schen, aber auch der bei­spiel­ge­ben­den Wis­senstra­di­tio­nen an­de­rer Zi­vi­li­sa­tio­nen ent­schie­den zu trans­for­mie­ren­den Nut­zungs­er­war­tun­gen. Das Vor­ha­ben be­fasst sich bei­spiel­ge­bend mit ei­ner ver­än­der­ten und avan­cier­ten Nut­zung/ Re­zep­ti­on dis­kur­si­ver Ar­chiv­ma­te­ria­li­en und da­mit mit neu­ar­ti­gen An­eig­nungs­ver­hal­ten be­züg­lich wis­sen­schaft­li­cher wie in­tel­lek­tu­el­ler Ide­en-Nut­zun­gen. Die­se Edi­ti­on hät­te Neu­land be­tre­ten, aber eben, da sie Neu­land be­tritt, fand sie kei­ne För­de­rung. Die dies­be­züg­li­chen Kri­te­ri­en der ein­schlä­gi­gen wis­sen­schaft­li­chen För­der­pro­gram­me, z. Bsp. der DfG, sind der­art ver­al­tet und auf ei­nen mo­no­lo­gi­schen, herr­schafts­po­li­tisch ze­men­tier­ten in­di­vi­du­el­len Au­tor­be­griff re­du­ziert, dass ei­ne fle­xi­ble Öff­nung von par­ti­zi­pa­to­ri­scher Au­tor­schaft von Nut­zern auf der ebe­ne der ma­schi­nisch ge­stütz­ten Edi­ti­on von ori­gi­nä­ren Tex­ten noch nicht ein­mal vor­stell­bar ist. Der Grund da­für lag al­so just in dem, was das Vor­ha­ben aus­zeich­ne­te: ra­di­ka­le Trans­for­ma­ti­on des Be­griffs des in­di­vi­du­el­len Au­tors. Ge­samt­wer­ke aus der Sicht der För­der­agen­tu­ren wie der Deut­schen For­schungs­ge­mein­schaft und wei­te­ren, auch pri­va­ten Stif­tun­gen, blei­ben aber of­fen­kun­dig ge­bun­den an die In­stanz des In­di­vi­du­ums, der Rechts­per­son, der Sou­ve­rä­ni­tät ei­nes per­so­na­len Ur­he­bers, kurz­um: der Be­fehls­zen­tra­le des Sub­jekts ei­nes bür­ger­li­chen Bil­dungs­ro­mans, für wel­chen die Sou­ve­rä­ni­tät des Er­zäh­lens in der In­stanz der sou­ve­rä­nen Sub­jek­ti­vi­tät ge­bün­delt und je­der­zeit be­herrsch­bar blieb. Die­ses Vor­ha­ben mün­de­te in ei­ne Stu­die und ein Ma­nu­al, ist aber un­rea­li­siert und da­mit Uto­pie, Skiz­ze und Frag­ment ge­blie­ben. Es wur­de 2011/ 2 auf­ge­ge­ben und ist seit­dem nicht wei­ter ver­folgt, nicht wie­der auf­ge­grif­fen wor­den. Es gibt zwar ei­nen Ab­riss, ei­ne Stu­die und ein Ma­nu­al, wel­che die Ei­gen­heit his­to­risch in­di­zie­ren, aber da­mit ist das Re­per­toire er­schöpft. Die Um­set­zungs­grup­pe aus Wis­sen­schaft­lern, Künst­lern, De­si­gnern – es hät­te pro­gram­miert und ediert wer­den müs­sen – konn­te nicht fi­nan­ziert und dem­nach auch nicht ein­ge­rich­tet wer­den.

Der­zeit in Ar­beit be­find­li­che, al­so in ei­ner ei­gen­dy­na­mi­sche Ent­wick­lung sich be­we­gen­de Pro­jek­te sind im Du­ett/ Wech­sel­text mit Pe­ter Su­ter ent­fal­te­te „Be­su­che bei Bil­dern“ und ei­ne mit dem Kom­po­nis­ten, Mu­si­ker und Di­ri­gen­ten Bern­hard Ditt­mann ent­wi­ckel­te mu­sik­wis­sen­schaft­li­che Ana­ly­se von Wer­ken Frank Zap­pas, ei­nes trotz al­ler no­to­ri­schen Be­rühmt­hei­ten bis­her in­halt­lich, for­mal und struk­tu­rell nicht an­ge­mes­sen ge­wür­dig­ten Kom­po­nis­ten.

LINKS
khm.de/hu_reck
khm.de/audiolectures
popsubhochgegen.khm.de

LITERATUR
Design/ Theorie. Essays 1982 bis 2020 (Basel: Birkhäuser, Reihe „BIRD“, 2 Bde, 2022); Künste und Apparate. Berichte aus einem Labor 1995–2005 (hrsg. von Hans Ulrich Reck und Siegfried Zielinski in Verbindung mit Konstantin Butz, Köln: Herbert von Halem Verlag 2022); Pasolini. The Apocalyptic Anarchist (Leipzig: Spector Books, „Analysis & Excess“ 2021); Pasolini. Der apokalyptische Anarchist (Leipzig: Spector Books, Reihe „Analysis & Excess“ 2020 ); Kritik der Kreativität (Köln: Herbert von Halem Verlag 2019); En medio. Ensayos sobre lo imaginario de las artes y los medios (collecciónsincondicion N° 42, Universidad Nacional de Colombia Bogotá, Facultad de Artes 2018); „Ritualkunst“ zwischen Kult und Museum – Dissonante Ästhetiken am Beispiel Afrikas. Mit einem Beitrag von Christine Bruggmann „Hommage an Afrika“ (Köln: Herbert von Halem Verlag 2017); Pier Paolo Pasolini – Poetisch Philosophisches Porträt, 2 CDs (Königs-Wusterhausen 2012); Spiel Form Künste. Zu einer Kunstgeschichte des Improvisierens (hrsg. v. Bernd Ternes, Hamburg 2010); Pier Paolo Pasolini (München 2010); Traum. Enzyklopädie (München 2010); Index Kreativität (Köln 2007); EIGENSINN DER BILDER. Bildtheorie oder Kunstphilosophie? (München 2007); Das Bild zeigt das Bild selber als Abwesendes (Wien/New York 2007); THE MYTH OF MEDIA ART. The Aesthetics of the Techno/Imaginary and an Art Theory of Virtual Realities (Weimar 2007); Kunst als Medientheorie. Vom Zeichen zur Handlung (München 2003); Mythos Medienkunst (Köln 2002); Junggesellenmaschinen (erw. Neuausg. zus. mit Harald Szeemann, Wien/New York 1999). Außerdem: audiolectures 1 bis 5 zur Geschichte der Künste im medialen Kontext (Kunsthochschule für Medien Köln 2001–2013).

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Veröffentlichung: 12.12.2022

121 — Uta Brandes
Non Intentional Design

Uta Brandes ist Autorin, hält viele Vor­träge und leitet Work­shops. Dies alles über­wiegend mit dem Fokus auf Gender im Design. Gemein­sam mit Michael Erlhoff gründete sie 2003 die Deutsche Gesell­schaft für Design­theorie und -forschung (DGTF), deren Gründungs­vor­sitzende sie war, und 2013 das inter­national Gender Design Network (iGDN), dessen Vor­sitzende sie bis heute ist. Das gemein­nützigen iGDN vergibt seit 2017 den welt­weit ersten und bisher einzigen Preis für gender­sensibles Design, den iphiGenia Gender Design Award (iphi-award.org).

Von 1995 bis 2015 war Uta Brandes Profes­sorin an der Köln Inter­national School of Design (KISD) der Tech­nischen Hoch­schule Köln. Aus­führ­liches Nach­forschen führte zu dem Ergeb­nis, dass sie (wahr­schein­lich welt­weit) die erste ordent­liche Profes­sur im Design inne­hatte, die aus­drück­lich Gender im Design gewid­met war. Im Kon­text ihrer Lehre und For­schung an der KISD führte sie zahl­reiche Projekte mit Unter­nehmen durch (u.a. in Ko­operation mit Wilk­hahn, Volks­wagen AG, Dorn­bracht, Fortuna Köln). Beispiele für Design­forschungs­projekte, die sie initiierte und leitete, waren zum Beispiel:  „my desk is my castle“, eine ver­gleichende Studie in Wort und Foto auf allen fünf Konti­nenten und in unter­schied­lichen Branchen über Objekte, die sich auf Büro­schreib­tischen befin­den, die nicht zur Erledi­gung der Arbeit gehören. Ver­gleichende qualita­tive Beo­bachtungs­studie „The Joy of Waiting“ über das Warte­ver­halten von Menschen im öffent­lichen Raum in Hangzhou (VR China) und Deutsch­land (Köln). Non Intentional Design. Zur alltäg­lichen Um­nutz­ung der Dinge.

Uta Brandes nahm Dozen­turen und Gast­profes­suren an Hoch­schulen in Deutschland (UdK), Hong Kong (Hong Kong Polytechnic University), VR China (Art and Design Academy Hangzhou), Taiwan (Shieh Chien University), Australien (Western Sydney University), USA (Parsons School of Design) und Ägypten (German University Cairo) wahr.

Uta Brandes ist keine Designerin, sondern sie studierte Sport (!), was sie aber nach 2 Semestern kluger­weise zugun­sten von Anglistik und Politischen Wissen­schaften auf­gab; später wechselte sie zu Sozio­logie und Psycho­logie. Neben einem kurzen ersten Ausflug an die Päda­gogische Hoch­schule Bremen wechselte sie – ebenso kluger­weise – an die Leibniz Uni­versi­tät Hanno­ver, wo sie besonders von der Frank­furter Schule und der Psycho­analyse durch Professor­*innen wie Oskar Negt, Peter Brückner und Regina Becker-Schmidt ge­prägt wurde.

Nach ihrem MA arbeitete sie als wissen­schaft­liche Mitarbeiterin am Psycho­logischen Seminar der Uni Hannover; nach ihrer Promotion bei Oskar Negt und Regina Becker-Schmidt wurde sie Bereichs­leiterin am Institut Frau & Gesell­schaft in Hanno­ver. Für einige Monate hielt sie sich in den 1980er Jahren auf­grund eines Stipen­diums des German Marschall Fund in den USA auf, um Frauen­förder-Projekte in New York, Chicago, Washington und St. Paul/Minnea­polis zu untersuchen.

Mitte der 1970er Jahre gründete sie neben­bei gemein­sam mit Michael Erl­hoff einen kleinen (niemals profi­tablen) Verlag namens zweit­schrift, in dem die gleich­namige Zeit­schrift für Kunst, Design, Archi­tektur, Litera­tur und Musik erschien. Publi­ziert wurden u.a. Beiträge von John Cage, Valie Export, Lawrence Weiner, George Brecht, Ernst Jandl, Friederike Mayröcker, Haus Rucker Co, Cesar Pelli, Alessandro Mendini, ... Zusätz­lich wurden kleine Bücher veröffent­licht. Es war das Ziel der Beiden, 10 Aus­gaben der zweitschrift heraus­zu­geben, was ihnen auch gelang. Danach wurde die Verlags­tätig­keit beendet.

Mitte der 1980er Jahre nach Frankfurt am Main umge­zogen, arbeitete Uta Brandes zu Beginn als freie Kultur­journa­listin u.a. für den NDR und den WDR, wurde dann aber über­raschend als Leitende Ministerial­rätin und stell­ver­treten­de Staats­sekretärin in die der Staats­kanz­lei ange­schlos­senen Behörde für „Frauen­ange­legen­he­iten“ (so hieß das damals) be­rufen. Uta Brandes bemerkte indes bald, dass dies (trotz des ausge­zeich­neten Gehalts) keines­falls ihren Inter­essen und ihrem Engage­ment ent­sprach, sodass sie am Tag der Ver­kündi­gung ihrer Verbe­amtung ihre Kündi­gung ein­reichte. An­schließend baute sie das Schweizer Design Center in Langenthal auf.

1991 zog sie in ihre Lieblings­stadt Köln um, wo sie Direk­torin des „Forum“, dem Veran­staltungs­bereich der Kunst- und Aus­stellungs­halle der Bundes­repu­blik in Bonn wurde. Auch dort verlor sie nach 2 Jahren das Inter­esse an dieser ange­stell­ten Tätig­keit und arbeitete bis zu ihrer Beruf­ung als Profes­sorin in Köln als freie Mit­arbeiten der Bundes­kunst­halle, wo sie eine Serie von je mehr­tägigen inter­natio­nalen Symposien zur „Zukunft der Sinne“ organi­sierte, zu der je­weils ein Buch im Steidl Verlag erschien.

Neben ihrem ehren­amt­lichen Engage­ment als Vor­sitzen­de des iGDN schreibt sie weiter­hin mehr oder minder fröh­lich an diversen Texten, gibt Inter­views und kämpft weiter­hin für ein gender­sen­sibles Design-Ver­ständ­nis in Theorie, Praxis und ins­beson­dere der Lehre – wobei sie gerade bei den jungen Design­talenten und -studieren­den auf ein enorm großes Inter­esse stößt. Außer­dem spricht sie einen Pod­cast mit unver­öffent­lichten Texten von Michael Erlhoff.

LINKS
Website von Uta Brandes
Design Talks #2: Uta Brandes en conversation avec Ruedi Baur
Designspotter mit Uta Brandes
iphiGenia Gender Design Award
Texte von Michael Erlhoff, gelesen von Uta Brandes

LITERATUR
BRANDES, Uta, Gender-Design. Streifzüge zwischen Theorie und Empirie, Basel (Birkhäuser) 2017  BRANDES, Uta / ERLHOFF, Michael, My Desk is my Castle. Exploring Personalization Cultures, Basel (Birkhäuser) 2011  BRANDES, Uta / STICH, Sonja / WENDER, Miriam, Design durch Gebrauch. Die alltägliche Metamorphose der Dinge, Birkhäuser, Basel, 2008 (Engl. Ausgabe: Design by Use)   FLOOD, Catherine / GRINDON, Gavin, Hrg., Disobedient Objects, V&A Publishing, London, 2014  BEIFUSS, Artur / TRIVINI BELLINI, Francesco, Branding Terror. The Logotypes and Iconography of Insurgent Groups and Terrorist Organizations, Merrell, London/New York, 2013.

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Veröffentlichung: 05.12.2022

120 — matali crasset
Design, um den Menschen zu dienen

matali crasset ist eine seit den 90er Jahre welt­weit aktive fran­zösische Design­erin, deren Moto ist: „Den Men­schen etwas geben, statt zu ge­stalten“. Seit ihrem Ab­schluss an der ENSCI-Les Ateliers ver­teidigt sie das Design als künstler­ische, anthro­polo­gische und sozi­ale Praxis. Sie versucht, sich mög­lichst um­fassend der Krea­tivi­tät, den Men­schen und dem täg­lichen Leben zu widmen. Ihre Frage ist: „Wie kann das Design zu unserer Gemein­schaft bei­tragen und uns helfen, uns in der heutigen Welt zu­recht­zu­finden?“ Seit 30 Jahren geht sie ihren eigenen Weg und hat Hunderte von Pro­jekten in den Be­reichen Archi­tek­tur, Bühnen- und Möbel­design, öffent­liche Räume und Stadt­plan­ung reali­siert. Ihre Werke wurden in Frank­reich und im Aus­land aus­ge­stellt. Sie sind Teil be­deuten­der Museums­samm­lungen, darunter jene des MoMA in New York und des Centre Pompi­dou in Paris. Ihr „Design ohne Grenzen“ ist Aus­druck ihrer tiefen Über­zeu­gung, dass jeder kreative Pro­zess in erster Linie men­schlich, sozial und öko­logisch ist. Der Zweck eines jeden Pro­jekts hängt dabei nicht von seiner allein­igen Reali­sierung ab, sondern von dem Prozess, den es um­setzt, und von seiner Fähig­keit, Ver­bin­dungen zu knüpfen und ein System des Aus­tauschs und der Gegen­seitig­keit zwischen Indi­viduen inner­halb eines bestim­mten Um­felds zu schaffen. Aus dieser Per­spek­tive werden alle Projekte letzt­lich zu einer kolla­bora­tiven An­stren­gung. Sie nennt als „Felder in mein­em Kopf, die ich nicht auf­höre zu kulti­vieren“: Lesen und Ent­decken // Dem Men­schen stets zuge­wandt sein // Jedes Werk im men­schlichen Maß­stab erschaffen //

matali crasset ist bei jedem Schritt ihrer Pro­jekte an­wesend und arbeitet von der Kon­zep­tion bis zur Reali­sierung auf künstler­ische und ge­schickte Weise. Sie ver­tritt eine men­schliche Sicht­weise des Designs, die sich von der­jenigen der großen Firmen unter­scheidet, die ihre An­sätze modell­ieren und dieselbe Methode auf jedes ihrer Pro­jekte an­wenden. Das Studio – be­stehend aus matali crasset, die von einem 3D-Modell­ierer und einem Regis­seur unter­stützt wird – bildet die Grund­lage ihres Schaffens und fördert sehr indi­vidu­elle Lösungen. matali crasset sagt „Das, was wir tun, hat immer eine künstler­ische Seite“.

Auf dieser Grund­lage gestaltet sie Objekte, öffent­lichen Räume, Stadraum, leben­dige kultur­elle Orte, die Welt der Kind­heit, Zwischen-Räume, kom­plette Bühnen­bilder für inter­natio­nale Messen wie Première Vision oder, in jüngerer Zeit, Séries Mania und Aware sowie für die Musical-Show von Pierre Lapointe ent­worfen. Hinzu kommen Aus­stellungen, kura­tierte Shows und Ver­mittlungs­formate. Sie ver­steht die Ver­mitt­lung als Teil ihrer Arbeit als Designer­in. Sie hat mehr als zwei­hundert Vor­träge in der ganzen Welt ge­halten. Seit 2010 unter­richtet sie an der Genfer Hoch­schule für Kunst und Design (HEAD) und nimmt darüber hinaus an zahl­reichen Sym­posien und Jurys teil. Von 2017 bis 2019 hatte sie eine Professur an der ENS Paris-Saclay im Rahmen des Projekts L’Atelier des communs sowie einen Work­shop am National Institute of Design (NID) in Ahmedabad, Indien.

WEITERLESEN, -HÖREN und -SEHEN
Wo man das Werk von matali crasset sehen, lesen und besser verstehen kann:  Rizzoli Libri veröffentlicht 2021 eine Monografie, die ihren Weg nachzeichnet und von den Éditions Norma ins Französische übersetzt wurde. Les Presses du Réel hat außerdem eine Sammlung von Zeichnungen veröffentlicht, die während der Abriegelung in Frankreich im Frühjahr 2020 entstanden sind. Sie hat an zahlreichen Radiosendungen für France Culture teilgenommen, darunter fünf Aufnahmen, die 2018 für Camille Juzas À voix nue realisiert wurden, und eine von Arnaud Laporte animierte Meisterklasse im Jahr 2017. 2019 wurde eine 52-minütige Dokumentation von Rémy Batteault realisiert, die von Cocottes minute und dem Centre Pompidou für France 5 koproduziert wurde.

LITERATUR UND LINKS
Baptiste Morizot, Raviver les braises du vivant 
Aurelien Berland, la fabrique des derniers hommes
Vinciane Despret, Habiter en oiseau
Ana Tsing, le champignon de la fin du monde 
Natassja Martin, croire aux fauves 
Ines Lenaud, Pierre Van Hove, les algues vertes l’histoire interdite
Camile de Toledo, le fleuve qui voulait écrire, les aide 
Bruno Latour, où atterrir 
Corporate Website von matali crasset 
Wildproject
Collection domaine du possible 

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Veröffentlichung: 28.11.2022

119 — Tanita Klein
Die verformbare Küche

Tanita Klein ist eine Designerin, die in Kopen­hagen, Däne­mark, lebt und arbeitet. Sie ist in Frank­furt am Main gebor­en und auf­ge­wachsen und studierte Design an der Design Academy in Eind­hoven. Für ein Residenz­pro­gramm mit SPACE10 kam sie Anfang 2020 nach Kopen­hagen. Das POSSI-System ist ein Kon­zept, das in den letzten vier Jahren zu einem markt­fähigen Pro­dukt ent­wickelt wurde. Es basiert auf Kleins Vision für Design.

Tanita sagt: „Als Design­erin betrachte ich die mater­ielle Kultur als etwas, das großen Ein­fluss auf das mensch­liche Ver­halten und Wohl­be­finden hat. Ich betrachte Design als ein Werk­zeug zur Ver­besser­ung. Meine Werk­zeuge sind radikal, aber realis­tisch. Meine Werk­zeuge sind demo­krat­ischer Luxus. Meine Argu­men­tation ist sowohl unter Nach­haltig­keit als auch unter Wohl­be­finden ein­zu­ordnen. POSSI ist wie ein Sitz­sack für Kinder. Er ist ver­form­bar und passt sich Ihren Kur­ven und Bedürf­nissen an. Bitte spielen Sie.“

POSSI ist inspiriert von der ersten Archi­tek­tin, die in den 1920er Jahren eine Küche für ein großes soziales Wohn­pro­jekt in Frankfurt am Main ent­warf. In den 1920er Jahren ent­warf Margarete Schütte-Lihotzky (1897–2000) eine Küche für die moderne Haus­frau, basier­end auf einer Analyse der Be­we­gun­gen in der Küche. Sie spiegelte den Wan­del in der Gesell­schaft wider: Die Frau wurde eman­zi­pier­ter und die Küche passte sich ihrem neuen Lebens­stil an. Das Kon­zept von POSSI war eine Ant­wort auf die Frage, wie die moderne, eman­zi­pierte Küche hun­dert Jahre später aussieht: Eine Küche, die sich an unsere sich schnell verän­dern­den und umwelt­freund­lichen Bedürf­nisse anpasst und nicht um­ge­kehrt.

LITERATUR
MAYHAUS, ernst-may-gesellschaft e.v., av editions, Hrsg. Christina
Treutlein, Philipp Sturm, Ernst-May-Gesellschaft
Dschinns, Fatma Aydemir, Hanser Verlag
Was weiße Menschen nicht über Rassismus hören wollen, aber wissen sollten, Alice Hasters, Hanser Verlag

LINKS
Feuer und Brot, Podcast
www.possi.kitchen

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Veröffentlichung: 21.11.2022

118 — Philipp Thesen
Humanizing Technology

Philipp Thesen ist Designer und Stratege und zählt zu den profilierten Vor­denk­ern für strateg­isches Design und die digitale Trans­forma­tion von Produkten, Pro­zessen und Geschäfts­modellen. Er ist Pro­fes­sor für Mensch-System-Inter­aktion an der Hoch­schule Darm­stadt und Leiter des Human Factor Labs. Das von ihm 2020 gegrün­dete Lab erforscht digitale Techno­logien und deren Anwen­dung in mensch­lichen Bedarfs­situ­atio­nen mit dem Ziel der Ver­bes­ser­ung von Mensch-Technik-Interaktion.

Thesen ist weiterhin Unter­nehmens­be­rater und Gründer von Prenew, einer Strategie­be­ratung für den digitalen Wandel. Er hilft Unter­nehmen dabei, Design in ihren Organi­sationen effektiv zu führen und auf den Ebenen Form­gebung, Prozess und Strate­gie nach­haltig zu verank­ern. Zu seinen Kunden gehören inter­natio­nale Beratungs­firmen sowie Unter­nehmen wie SAP, Porsche, Merck, EnBW, Siemens oder Viess­mann.

Zuvor war er Design­chef von Europas größtem Telekom­muni­kations­kon­zern Deutsche Telekom. Hier verant­wortete er das Produkt­design, die Design­strategie und die welt­weite Imple­men­tierung von Design-Prin­zipien. Er trans­formierte die Design­funktion im Kon­zern in eine strategische Rolle, gründete die Tele­kom Design Aca­demy und führte eine kon­zern­weite Aus­bildung in Design Think­ing ein. Unter seiner Leit­ung ent­stan­den inter­natio­nal ein­ge­führte Hard­ware-Soft­ware-Service Inno­vatio­nen, die mit mehr als 200 Design­preisen aus­ge­zeichnet wurden.

Philipp Thesen ist Autor zahl­reicher Publi­katio­nen zu Design, Inno­vation und digi­taler Zukunft. 2019 erschien sein Buch “the digital shift” im Steidl Verlag. Er ist als Sprecher auf Kon­ferenzen und Mit­glied zahl­reicher Inter­natio­naler Design­juries tätig, u.a. beim ADC, ADC of Europe, Annual Multi­media, DDC, German Design Award, iF und Design Effective­ness Award der British Design Business Association. Er ist Mitglied des Art Directors Club, war 2020 bis 2022 Präsidiums­mit­glied und zuvor Advisory Board Member des Design Manage­ment Institutes Boston. Seit 2022 ist er im Beirat des Bundes­preis Ecodesign des Bundes­umwelt­minis­teriums.

LITERATUR
von REVENTLOFF, Christian / THESEN, Philipp, The digital shift – design’s new role as artificial intelligence transforms into personal intelligence. Steidl Verlag, Göttingen, 2019
THESEN, Philipp, The new role of design, in: Slanted 37 typography & culture, Karlsruhe, 2021, p. 256

LINKS
Persönliches Profil
Prenew Corporate Website
Prof. Philipp Thesen bei Hochschule Darmstadt

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Veröffentlichung: 14.11.2022

117 — Andreas Muxel, Daniel Rothaug
Creative Engineering

Andreas Muxel studierte Kom­muni­kations­design an der Fach­hoch­schule Vor­arl­berg und Mediale Künste an der Kunst­hoch­schule für Medien Köln. Er arbeitete als Inter­action Designer am MARS-Exploratory Media Lab des Fraun­hofer-Instituts für Medien­kom­muni­kation Sankt Augustin und war als Free­lancer für ver­schiedene Büros (u.a. Meiré und Meiré, Stylepark AG, ma ma Inter­active System Design) und Kunden (u.a. BMW, Siedle, Bulthaup, Vorwerk) tätig. 2015 gründete er zusammen mit Michael Schmitz das Studio NEOANALOG mit Schwer­punkt Ent­wick­lung und Gestalt­ung hybrider Arte­fakte und Räume.

Seine Arbeiten an der Schnitt­stelle von Design, Kunst und For­schung wurden viel­fach inter­natio­nal pub­liziert, aus­ge­stellt und aus­ge­zeich­net (u.a. FILE Festival São Paulo, TodaysArt Festi­val Brüssel, ACM DIS Eind­hoven, Prix Ars Elec­tron­ica Linz, VIDA Award Madrid, Share Price Turin).

Von 2013 bis 2017 war Andreas Muxel Profes­sor für Inter­face Design an der Köln Inter­natio­nal School of Design der TH Köln. Seit dem Winter­semester 2017/2018 ist er Forschungs­pro­fessor für Physical Human-Machine Inter­faces an der Fakul­tät für Gestalt­ung der Hochschule Augs­burg und leitet dort das Hybrid Things Lab. Das Labor exploriert alternative Per­spek­tiven unserer Be­zieh­ung zu pro­aktiver Techno­logie hin­sichtlich Akzeptanz und Vertrauen.

Daniel Rothaug studierte Kom­muni­kations­design mit Schwer­punkt Inter­aktive Medien an der Fakul­tät Gestaltung der Fach­hoch­schule Würz­burg-Schwein­furt. Zuvor arbeite er als Inter­face­designer bei Apple und als Art-Director an multi­medialen Pro­jekten für TUI, Opel, Renault und Volks­wagen. Während seines Studiums gründete er 2002 gemein­sam mit drei Partnern die Digital­agentur ›Zum Kuckuck‹ in Würz­burg. Bis 2015 war er dort als Kreativ­direktor für digitale Projekte für Audi, Daimler, Deutsche Telekom, Drykorn, Joop, Reisenthel, SAP, Städel Museum, Volks­wagen oder Walter Knoll verantwortlich.

Seine Arbeiten erhielten über 150 nationale und inter­natio­nale Aus­zeich­nungen wie ADC Deutsch­land, ADC New York, Annual Multi­media Gold, DDC Gute Gestaltung, Design­preis der Bundes­republik Deutsch­land, German Design Award, iF Design Award Gold, New York Festivals, Red Dot Best of the Best und wurden u. A. vom Museum of Modern Art San Francisco veröffentlicht.

Seit 2013 ist Daniel Rothaug Professor für Interface­gestaltung an der Hoch­schule Augs­burg, seit 2017 Dekan der Fakul­tät für Gestalt­ung. Als Designer und Berater ist er für Unter­nehmen an der Schnitt­stelle von Design und Techno­logie tätig. Er ist Mit­glied im DDC (Deutscher Designer Club e. V.) und regel­mäßiges Jury­mitglied.

LINKS
Bachelorstudiengang Creative Engineering
Webseite Andreas Muxel
Website Daniel Rothaug
KI-Ringvorlesung Andreas Muxel »Mensch-Maschine-Verbindungen. Werden kluge Maschinen ein Teil von uns?«
Jakob Kilian: Unfolding Space
Michael Wagner, Matthias Sirch, Lena Krause, Jane Nathania, Pia Obermaier: Chairness of a Chair

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Veröffentlichung: 07.11.2022

 

116 — Sebastian Klöß
Wegweise ins Metaverse

Dr. Sebastian Klöß ist Bereichs­leiter für Consumer Techno­logy, AR/VR & Meta­verse beim Digital­ver­band Bit­kom. Seit An­fang 2022 befasst er sich inten­siv mit dem Tech-Trend Meta­verse. Ihn faszi­niert, wie hier einer­seits ver­schiedene Schlüssel­techno­logien wie Aug­mented Reality (AR), Virtual Reality (VR) und die Block­chain kul­minieren, und wie das Meta­verse anderer­seits als nächste Stufe des Inter­nets das Poten­zial birgt, unseren All­tag zu revo­lutio­nieren. Beim Bit­kom be­treut er das metaverse forum by bitkom, in dem aus­ge­wiesene Meta­verse-Expert­innen und -Experten zu diesem Thema zusam­men­kommen, und organi­siert die sehr erfolg­reichen Meta­verse-Round­tables, bei denen unter anderem schon die Themen „Meta­verse und Web3“, „Recht und Steuern im Meta­verse“, „Industrie und Meta­verse“, „Arbeiten im Meta­verse“ sowie „Stan­dards für das Meta­verse“ thema­ti­siert wurden. Gemein­sam mit kompe­tenten Autor­innen und Autoren aus dem Bitkom-Netz­werk hat er den Leit­faden „Weg­weiser in das Meta­verse“ ver­fasst. Außer­dem hat er in der Studie „Die Zukunft der Con­sumer Technology 2022“ ge­zeigt, wie bekannt das Meta­verse in Deutsch­land schon ist und wie offen die Deutschen dem Meta­verse gegen­über einge­stellt sind.

Neben dem Meta­verse beschäftigt sich Dr. Sebastian Klöß beim Bitk­om mit den Themen Aug­mented & Virtual Reality sowie NewTV. Bei AR und VR interes­sieren ihn sowohl die tech­nischen Ent­wick­lungen auf diesem Ge­biet als auch kon­kret die Einsatz­mög­lich­keiten so­wohl im Con­sumer-Bereich als auch in der Indus­trie. Unter dem Stich­wort NewTV beo­bachtet er alle Trends rund um Stream­ing und Con­nected TV. Vor seiner Zeit beim Digital­ver­band Bitkom war Dr. Sebastian Klöß Redak­teur für Office-Themen im Prima Vier Nehring Verlag. Dort hat er genauso zur Büro-IT re­cher­chiert und ge­schrieben, wie zum Themen­feld Büro­ein­richt­ung. Hier ging es regel­mäßig auch um das Thema gutes Design im Büro.

Von Haus aus ist Dr. Sebastian Klöß Germanist und Histor­iker. Er hat in Tübingen Neuere Deutsche Literatur­wissen­schaft sowie Neuere und Neueste Geschichte studiert und an­schließend an der HU Berlin seine Doktor­arbeit in Ge­schichte ver­fasst. In ihr hat er den Notting Hill Carnival in London unter­sucht und dabei ins­beson­dere heraus­ge­arbeitet, welche Bedeutung dieses Fest ab der Mitte des 20. Jahrhunderts für die Aus­hand­lung des Eigenen und des Anderen inner­halb der afro­karibischen Com­munity in London sowie zwischen afro­karibischer Com­munity und weißer britischer Mehr­heits­be­völker­ung hatte. Dabei ging es um Ein­flüsse des trini­dad­ischen Carni­vals, um Reggae und Rasta und das Ent­stehen eines multi­kultur­ellen Groß­britanniens.

LINKS
www.forum-metaverse.de
www.matthewball.vc/all/themetaverse
Neal Stephenson: Snow Crash
Christian Kracht: Eurotrash
Wegweiser ins Metaverse

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Veröffentlichung: 31.10.2022

 
 

115 — Matteo Thun
Der Großmeister

Matteo Thun startete seine Kunst- und Design­karriere als Student an der Salz­burger Sommer­aka­de­mie unter Oskar Ko­kosch­ka und Emilio Vedova. Nach dem Archi­tek­tur­studium an der Uni­versi­tät Florenz gründete er zusam­men mit Ettore Sottsass und anderen Mai­länder Designern das Büro Sottsass Associati und die Memphis Gruppe. 1983 wurde Matteo Thun als Pro­fes­sor für Produkt­design und Keramik an die Wiener Uni­versi­tät für ange­wandte Kunst be­rufen. 1983 gründete er sein eigenes Studio in Mai­land und 2001 Matteo Thun & Part­ners. Das Archi­tek­tur- und Design­büro Matteo Thun & Partners (ca. 70 Mit­arbeiten­de) hat seinen Haupt­sitz in Mai­land und be­treibt ein Büro in München.

Die Ent­würfe von Matteo Thun sind von zeit­loser Ein­fach­heit in­spiriert und orien­tieren sich am mensch­lichen Maß­stab. Ästhet­ische Dauer­haftig­keit, techno­logische Lang­lebig­keit und die zukünftige Lebens­dauer von Ge­bäuden und Pro­dukten prägen die Arbeit von Matteo Thun & Partners. Das Unter­nehmen agiert auf inter­natio­naler Ebene und ent­wickelt Projekte in den Be­reichen Hospitality und Health­care, Residen­tial und Office-Design, Retail und Pro­dukt-Design.

Gründer und Art Direktor Matteo Thun leitet eine neue Genera­tion von Archi­tek­ten und Design­ern an, die die gemein­same krea­tive Sprache von Matteo Thun auto­nom ver­wirk­lichen. Von seinen Firmen­sitzen in Mai­land und Mün­chen aus pflegt Matteo Thun weiter­hin ein Archi­tek­tur- und Design­büro, das durch eine zukunfts­orien­tierte Per­spek­tive nach respekt­vollen Lösun­gen sucht und sich auf zeit­loses, lang­lebiges und redu­zier­tes Design fokussiert.

Für seine Architekturprojekte­ und die Ent­wür­fe im Produkt-Design­­ wurde Matteo Thun mit zahl­reichen inter­natio­nalen Preisen aus­ge­zeichnet.

LINKS
Website von Matteo Thun:
www.matteothun.com Websites, die Matteo Thun schätzt:
www.dezeen.com, www.architonic.com

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Veröffentlichung: 24.10.2022

 

114 — Ute Clement
Frauen führen besser

Ute Clement ist Diplom-Psychologin und system­ische Be­rater­in. Bei der Daimler AG war sie mehrere Jahre in leiten­der Position in der Führungs­kräfte­ent­wick­lung und im inter­kultur­ellen Manage­ment tätig. Seit 1995 ist sie selb­ständige Be­rater­in. 2007 hat sie ihr Unter­nehmen Ute Clement Con­sulting GmbH ge­gründet, das heute mit zwei Nieder­lassungen in Heidel­berg und Berlin ver­treten ist.

Sie berät inter­natio­nale Groß­kon­zerne und mittel­ständische Unter­nehmen aller Branchen. Neben ihrer Vortrags- und Publi­kations­tätig­keit zu system­ischer Beratung und Gelingens­faktoren von Ver­änderungs­pro­jekten, arbeitete sie auch als per­sönlicher Coach. 

Nach dem Abitur absol­vierte sie eine Aus­bildung zur Bank­kauf­frau bei der Deutschen Bank AG in Mann­heim, woran sich – nach Auslands­aufent­halten in Frank­reich, England und Indien – ein Studium der Wirt­schafts­pädagogik und Theater­wissen­schaft an der Uni­versi­tät Erlangen-Nürn­berg sowie ein Studium der Psycho­logie an der Ruprechts-Karl-Uni­versität Heidel­berg, an­schlos­sen. Der Schwer­punkt dabei war die klinische und päda­gogische Psychologie. 

Darauf auf­bauend folgten fort­laufende Kurse u.a. in Familien­therapie am Institut für psycho­analyt­ische Grund­lagen­forschung und Familien­thera­pie in Heidel­berg bei Prof. Dr. Helm Stierlin, Dr. Gunthard Weber, Prof. Dr. Fritz Simon, Dr. Gunther Schmidt u.a. Sie absol­vierte Trainings in NLP bei Dr. Brigitte Gross in Salz­burg und system­ischer Trans­aktions­analyse am Institut für system­ische Thera­pie und Trans­aktions­ana­lyse in Wies­loch bei Dr. Bernd Schmid. Aus­bildung in system­ischer Organi­sations­be­ratung bei der Inter­natio­nalen Gesell­schaft für system­ische Therapie e.V. Heidelberg (IGST). Aus­bildung in system­ischer Familien­therapie bei Prof. Dr. Fritz Simon mit dem Ab­schluss Systemische Familien­thera­peutin. Sie ist Lehr­beraterin, Lehr­supervisorin, Lehr­coach mit Zertifizierung der System­ischen Gesellschaft.

Sie ist Mit­glied des European Network of Female Entrepre­neur­ship Ambas­sadors und Vor­bild­unter­nehmerin der Initi­ative FRAUEN unter­nehmen – des Bundes­minis­teriums für Wirt­schaft und Energie.

LITERATUR
CLEMENT, Ute, Frauen führen besser: Wahrnehmungs­hilfen für Männer (und Frauen), Carl Auer Verlag, Heidelberg, 2022
CLEMENT, Ute, Wandel in Organi­sationen – Über Roadmaps, Helden­reisen und Saft­pressen. Reihe Leben.Lieben.Arbeiten. Vandenhoeck und Ruprecht, Göttingen, 2019
CLEMENT, Ute, Kon-Fusionen: Über den Umgang mit inter­kultur­ellen Business-Situationen, Carl Auer Verlag, Heidelberg, 2011

LINKS
Website von Ute Clement

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Veröffentlichung: 17.10.2022

113 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes
FORM FRAGEN 02
Boisbuchet / Vienna Design Week

Nina Sieverding und Anton Rahlwes, die Chef­redak­teur­*innen der form, im Ge­spräch mit Georg-Christof Bertsch. In der zweiten Folge von „form fragen“ reden wir mit der Chef­re­dak­tion der Zeit­schrift form über den inter­natio­nalen Design-Workshop in Bois­buchet, über die Vienna Design Week und das neue form-Heft zum Thema Luxus. Der Indien-Deutsch­land-Artikel von Poonam Choudh­ry hat Georg sehr bewegt. Nina und Anton haben das Inter­view mit der ukra­inischen Mode­macher­in Julie Pelipas als inten­sive Sache wahr­genom­men. Es geht also, wie immer beim „form fragen“, um den Blick auf aktuelle Design­ereig­nisse.

Die form ist eines der tradi­tions­reichsten Design­medien der Welt. Das „Zentral­organ der deutschen Design­szene“ kommt aus dem Print. Wir alle sind mit ihr auf­ge­wachsen. Sie er­scheint seit 65 Jahren! Der DDCAST ist eines der jüngsten Design­medien der Welt. Unser kleiner Podcast ist ein digital native.

LINKS
Domaine de Boisbuchet
form
Vienna Design Week

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Veröffentlichung: 12.10.2022

 

112 — Helge Aszmoneit
Die Design-Bibliothekarin

Helge Aszmoneit hat Biblio­theks­wesen studiert und leitet seit 1987 die Biblio­thek und den Be­reich Information Services beim Rat für Form­gebung/German Design Council. Dort ver­ant­wortet sie alle biblio­thekar­ischen Auf­gaben wie Bestands­auf­bau, die for­male und inhalt­liche Er­schließ­ung sowie die Ver­mitt­lung dieser Inhalte an alle am Design Inter­es­sierten. Das im Laufe der Jahr­zehnte auf­ge­baute Wissen über Design und dessen Quellen sowie das eigene Netzwerk fließen in die Infor­mations­ver­mitt­lung bei Berat­ungen und um­fang­reichen Re­cher­chen für interne und ex­terne An­fragen ein. Sie war und ist Dozen­tin für Semi­nare, Vor­träge und Lehr­auf­träge an Design-Hoch­schulen zu den Themen „Design­geschichte“ und „Recherche im Design“. Beim Rat für Form­gebung be­treute sie über viele Jahre auch andere Pro­jekte, zum Bei­spiel die Kon­zeption und Durch­führ­ung von Design-Wett­be­werben, ins­be­sondere im Nach­wuchs­bereich. In einem privaten Forschungs­pro­jekt unter­sucht sie der­zeit die Ent­steh­ungs- und Ent­wicklungs­historie inter­natio­naler Design-Aus­zeich­nungen.


Diese Folge des DDCAST ist in Kooperation mit der Wirtschaftsförderung Frankfurt zu den Themen rund um Design for Democracy entstanden.



LINKS
Rat für Formgebung / Bibliothek
Verbund der Frankfurter Museumsbibliotheken
Bibliotheken sind wichtige soziale Orte, gerade in Krisen­zeiten! In seiner aktuellen Stell­ung­nahme fordert der Deutsche #Bibliotheks­ver­band e.V. Bund, Länder und Kommunen auf, Biblio­theken trotz steigender Energie­preise geöffnet zu halten. Ziel muss die best­mögliche Aus­nutz­ung der Bibliotheks­infra­struk­turen und -räume ins­be­son­dere für die gesellschaftlichen Gruppen sein, die in der Krise auf öffent­liche Hilfe angewiesen sind. Weitere Informationen
SWB BSZ Verbund
K10plus Verbund (SWB BSZ + GBV)
Über Designliteratur

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Veröffentlichung: 10.10.2022

 

111 — Kollektiv Plus X (Ezra Dilger, Marvin Schwark u.a.)
Mobiles Forum für direkte Demokratie

Ezra Dilger (*1986) ist gelernter Tischler und Erlebnis­päda­goge, Vater zweier Kindern und seit 2021 MA Industrie­design. Er studierte seit 2014 an der Burg Giebichen­stein in Halle (Saale) und machte neben Projekten in Süd­afrika und auf La Palma ein Auslands­semester am Hyper­werk an der FHNW in Basel. Momentan macht er seinen zweiten Master an der HBK Saar im Studien­gang Public Art/ Public Design. 2016 gründete er mit Benno Brucksch das Keramik 3D Drucklabor „druckwerk“. Seit 2017 ist er Mit­glied des „Kollektiv Plus X“, in dem er die meisten seiner Projekte realisiert. Seine Projekte wurden unter anderem an der DDW in Eind­hoven und dem GRASSI Museum Leipzig aus­ge­stellt und in Fach­zeit­schriften wie der Monopol und der Page abge­druckt. Er erhielt ver­schiedene Preise, darunter den GRASSI Nach­wuchs Design Preis, Social Design Award und Hessischer Staats­preis Univer­selles Design, Social Design Award der German Design Graduates 2022.

Marvin Schwark (*1989) studierte Raum­plan­ung an der TU Dortmund. Schon im Studium lag der Fokus auf Bottom-Up Bewegun­gen und Formen des DIY-Urbanis­mus. 2015 wechselte er seinen Wohn­sitz nach Leipzig wo er Geschäfts­führer des Raum­planungs­büros tri:polis wurde. In diesem werden partizi­pative Pro­jekte im Bereich der Stadt­ent­wick­lung umge­setzt. 2016 ist Marvin Schwark Mit­be­gründer des Kollektiv Plus X e.V.

Kollektiv Plus X (gegründet 2016) Unsere Projekte bewegen sich an der Schnitt­stelle von Kunst, Raum­planung, Design und Sozialer Arbeit. Urbane Inter­ventio­nen, die den öffent­lichen Raum als Bühne be­greifen und für eine lebendige Stadt­kultur ein­stehen. Wir finden uns für jedes Projekt neu zusam­men, forcieren Ko­opera­tionen und setzen auf eine größt­mög­liche Teil­habe in der Projekt­umsetzung.


Diese Folge des DDCAST ist in Kooperation mit der Wirtschaftsförderung Frankfurt zu den Themen rund um Design for Democracy entstanden.



LINKS
Website des Kollektiv plus X 
Instagram-Präsenz des Kollektiv Plus X
Raumlabor
Halle Burg Giebichenstein

LITERATUR
www.jovis.de
www.onoff.cc

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Veröffentlichung: 03.10.2022

110 — Hermann August Weizenegger
Der philharmonische Designer

Hermann August Weizenegger ist ein bedeuten­der deutscher Design­er. Er hat ein um­fang­reiches Werk ge­schaffen und als Design-Aktivist, Mit­gründer von Insti­tuti­onen wie dem Design­mai Berlin oder den German Design Gradu­ates sowie als Profes­sor ganze Gener­ationen von Designer­*innen mit geprägt. Nach Ab­schluss einer Aus­bildung zum Textil-Einzel­handels­kauf­mann studierte Weizen­egger von 1987 bis 1992 Industrie­design bei Hans Roericht an der Hoch­schule der Künste Berlin. An­schließend war er ein Jahr freier Mit­arbeiter bei der Produkt­ent­wick­lung Roericht in Ulm. 1993 gründete er mit Oliver Vogt das Büro Vogt und Weizen­egger in Berlin. Hier entstand unter anderem das do-it-yourself-Möbel­projekt Blau­pause oder der Sinterchair, der in mehreren Samm­lungen ver­treten ist, wie dem Vitra Design Museum in Weil am Rhein, der Neuen Samm­lung in München, dem Marta Herford und dem Palais Schönborn in Wien. 2018 wurde der Stuhl auch als Minia­tur in die Samm­lung des Vitra Design Museums auf­ge­nom­men. Ein bekanntes Projekt ist außerdem das von ihnen kuratierte DIM–Die imaginäre Manufaktur in Zusam­men­arbeit mit der Blinden­an­stalt Berlin. Hier ent­standen neue Produkte mit zahl­reichen Design­ern wie u. a. Kon­stantin Grcic, Matali Crasset, Marti Guixé und Stephen Burks. Das Designer­duo arbeitete für Marken, wie Möve, Authentics, Rosenthal, Häberlein & Mauerer, Intel, WMF/Auerhahn, Sony Music, Viag Interkom, Mandarina Duck, Sigg und der Blinden­anstalt von Berlin. Die Hotel­lobby und Bar vom Ku’Damm 101 aus dem Jahre 2001 gilt als eine der Gestaltungs­ikonen der Nuller­jahre. Das Büro löste sich nach 16 Jahren auf.

Weizenegger ist eines der Gründungs­mit­glieder des Design­mai (2003–2007), der Platt­form für Berliner Design, an dessen inhalt­licher Aus­richtung und Organi­sation er fünf Jahre maß­geb­lich beteiligt war. Er ist zudem Mit­be­gründer der German Design Graduates Initiative mit Ineke Hans (UDK Berlin), Mark Braun (HBKsaar) und Katrin Krupka im Jahr 2019.

Sein Atelier HAW ist thematisch mit künstler­ischen Pro­jekten in Aus­stel­lungen ver­treten, mit Digital Couture (2009) in der Appel Design Gallery sowie in Gruppen­aus­stellungen wie Vase vers Vases (2009) in der Design­galerie Helmrinder­knecht in Berlin, Null­punkt im Marta Herford, im Museum für Ange­wandte Kunst Köln in Köln mit Isn’t it romantic? (2012). Neben der Produkt­gestaltung arbeitete Weizen­egger auch an inter­diszi­pli­nären Pro­jekten, wie der Roboter­perfor­mance Valse Auto­matique, die im Kuns­traum MADE (2010) auf­ge­führt wurde. Eine von Weizen­eggers ersten öffent­lichen Installa­tionen war im selben Jahr das Projekt Felsen­land für den Berliner Techno­club Berg­hain. Aufsehen und Irri­tation erregte er mit dem Projekt Hotel Dresden, bei dem er eben­falls 2010 zusam­men mit Manu­fakturen an der Rekon­struktion eines Jugend­stil­inventars arbeitete, das in den Räumen der Berliner Kunst­galerie Haubrok­shows ge­zeigt wurde. Neben dem Thema der Narra­tion be­schäftigten sich seine Atelier­arbeiten mit der Frage der nach­haltigen und subver­siven Serien­pro­duktion, wie beim Projekt Merk­würdig­keiten des Sehens, einer umfang­reichen Mode­kollek­tion für Damen und Herren. 2013 ent­stand in der Folge die zweite narra­tive Kollektion Der Prinz von Amundo, die unter anderem geschlif­fene Kristall­glas­objekte der Glas­manu­faktur Theresien­thal und Seiden­teppiche von Rug Star beinhaltet.

Im Sommer 2015 inszenierte er die Aus­stellung „Die falsche Blume“ für das Dresdner Kunst­gewerbe­museum im Schloss Pill­nitz. 2017 ver­öffent­lichte er in Zusammen­arbeit mit Sandra Pravica das Buch „Design Kosmos“, eine Sam­mlung seiner ersten zehn Projekte.

Atmoism – Gestaltete Atmo­sphären widmete ab September 2020 das Kunst­gewerbe­museum Berlin eine große Einzel­ausstellung. Das Konzept war dem Haus auf den Leib ge­schnitten: Inspiriert von der ›soft­brutalist­ischen‹ Raum­atmo­sphäre der 1967 von Rolf Gutbrod ent­worfenen Archi­tektur des Kunst­gewerbe­museums ent­wickelte er 24 bühnen­bild­artige Inter­venti­onen. Diese ent­falten sich als Skulp­turen, Material­kompo­sitionen und Objekt­insze­nier­ungen wie ein Netz in der Dauer­aus­stellung des Museums. Es ent­stand ein atmo­sphär­ischer Rund­gang, der den Dialog mit dem Museum und seinen Objekten eröff­nete. Im Rund­gang wurden sowohl das Werk des Künst­lers als auch seine gestalt­er­ische Vision zukünft­iger Produkt(ions)-szenarien – irgendwo zwischen Mensch, Hand­werk und mittel­ständischer Industrie – vor­ge­stellt. Die Aus­stellung wurde kuratiert von Claudia Banz.

2011 kura­tierte Weizen­egger die Proto­typenschau Black Box auf der Messe Qubique in Berlin. Er war außer­dem Jury­mit­glied beim Design Recycling Preis und als Kurator u. a. beim Smart Future Mind Award, der Stadt­arbeit der Vienna Design­week, beim DMY-Award 2014 oder dem I-love-Design-Award 2016. 2018 war er Jurymit­glied bei der Hand­werk + Form im Werk­raum Bregenzer­wald, Öster­reich. Die Glas­resul­tate aus Weizen­eggers zwei­­jähriger Zusammenarbeit mit der Glas­manu­faktur Theresien­thal wurden mit dem 1. Preis für Angewandte Kunst 2013 für her­vor­ragende Leistun­gen zum Thema Glas von der Zeug­haus­messe Berlin prämiert. Weizen­­egger wurde 2017 vom Rat für Formgebung zu dem Best of German Interior Design nominiert. 2017 wurde Weizen­egger vom Rat für Form­gebung zu dem „Best of German Interior Design“ nominiert, als einer der 50 renom­miertesten deutschen Designer. Er­schienen im Distanz Verlag. Der Designer arbeitet unter anderem für Marken, wie pulpo, mawa Design, Porcelain­gres, Theresien­thal, ComTür, OUT (Objekte unserer Tage) und der Porzellan­manu­faktur KPM Berlin. Aktuell wurde die Produkt­ent­wicklung „porto – ein Hänge­leuchten­sytem“ mit dem Branden­burger Leuchten­her­steller mawa design mit dem Design­preis Branden­burg 2021 „Preis­träger in der Kate­gorie Produkt­design“ ausgezeichnet.

LINKS
Die Falsche Blume
Atmoism – Gestaltete Atmosphären
Hotel Dresden
Valse Automatique

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Veröffentlichung: 26.09.2022

109 — Alexandra Baum
Forschung. Design. Startup. Familie.

Alexandra Baum ist Designer­in und Unter­nehmer­in. Nach ihrem Mode­design- Studium mit Schwer­punkt kreis­lauf­fähige Textilien und nach­haltige Mode an der HAW Hamburg mit Ab­schluss als Diplom-Design­erin zog es die heute drei­fache Mutter als wissen­schaft­liche Mit­arbeiterin an die Fach­hoch­schule Hann­over, wo sie das For­schungs­pro­jekt EcoMTex „Von der Öko-Nische zum öko­logischen Massen­markt im Be­dürfnis­feld Textilien“ an der Fakul­tät Design betreute. Ihren Karriere­weg setzte die gebürtige Gotha­erin ab 2005 in der Ent­­wick­lung tech­nischer Textil­ien fort. Sie machte sich 2003 mit dem Produkt­ent­wick­lungs- und Design­büro novanex selb­stän­dig. Zu Ihren Arbeiten in der textilen Produkt­ent­wick­lung für Industrie­kunden zählten smarte Textilien, Medizin­tex­tilien und Ent­wick­lungen für Auto­motive. Zum Kunden­kreis zählen neben vielen kleinen und mittel­stän­dischen Unter­nehmen auch Philips, West­falia mobil GmbH oder die Daimler AG. Darüber hinaus war Baum als Design- und Inno­vations-Berater­in aktiv und hielt Gast­vor­les­un­gen an Hoch­schulen. 2013 ent­stand die Idee eines textil­basierten Fahr­rad­schlos­ses, das parallel zu ihrer frei­be­ruf­lichen Tätig­keit ent­wickelt wurde. 2016 gründete Alexandra Baum gemein­sam mit ihrer Kollegin Suse Brand die Texlock GmbH in Leipzig. Kern der paten­tierten Lös­ung des Fahr­rad­schlos­ses tex—lock ist der Einsatz von funktio­nalen Hightech-Textil­fasern, welche die tex—lock Fahr­rad­schlös­ser flex­ibel und weich wie ein Seil machen. Mehrere ver­flochtene Hoch­techno­logie­faser-Ver­bund­schichten über­nehmen unter­schied­liche Funktio­nen für den Schutz vor An­griffen mit Schneid­werk­zeugen und Feuer sowie der Ver­meidung von Lack­kratzern. Schutz vor Säge­angrif­fen wird in der aktuellen Produkt­genera­tion durch den Ein­satz eines speziell gehärteten und flexiblen Stahl­kerns er­reicht. Die Nutz­ung der gesamten Länge und Flexibili­tät beim An­schließen an feste Gegen­stände und Sichern von Anbau­teilen wird durch das soge­nannte „Loop Through Prinzip“ von tex—lock ermög­licht. 2019 kam die markt­reife Ent­wick­lung der multi­funktio­nalen Regen­schutz­be­klei­dung „raijn“ hin­zu. raijn lässt sich in Sekunden­schnelle von einem Parka in einen Over­all ver­wan­deln. Die hoch­wertige Textilie wurde unter dem Motto „whatever the weather“ als täg­licher Be­gleiter für wetter­­unab­häng­ige Fahr­rad­mobili­tät ent­wickelt. Externe Aner­ken­nung fanden die Texlock-Pro­dukte u.a. bei den German Design Award 2018 und 2021, ISPO Award 2019 sowie dem Euro­bike Award in Gold im Herbst 2021. Alexan­dra Baum ist bis heute Mehr­heits­gesell­schafter­in und Geschäfts­führ­erin der Leip­ziger Fahrrad-Acces­soire Manu­faktur Texlock GmbH, die Produk­tion, Ver­trieb und Marke­ting in einer ehe­mali­gen Piano­fabrik in Leip­zig um­setzt und über 30 Mit­arbeiter­*innen beschäftigt.

LINKS
Website von texlock

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Veröffentlichung: 19.09.2022

108 — Michael Conrad
creativity – off the norm

Michael Conrad kann man mit dem Begriff „Werbe­legende“ schlecht fassen. Er ist zwar ein Kreativer, der zahl­lose Kampagnen ge­schaffen hat, die über Jahr­zehnte wirkten, aber er ist vor allem ein krea­tiver Denker und Macher. Ihm geht es um Krea­tion im ganz um­fassen­den Sinne: kreative Wer­bung, kreative Ge­stalt­ung, kreative Unter­nehmens­führ­ung, kreative Ent­wicklung von Talenten, kreative Ent­wicklung neuer Organi­satio­nen. Unser Ehren­mit­glied des Deutschen Designer Club steht insofern genauso für die Vergan­gen­heit der Kreativ­branche wie für deren Zukunft.

So beschreibt sich Michael Conrad: „In Leipzig geboren, mit Mutter in den Westen ge­flüchtet. Damals waren sieben Millionen Flücht­linge unter­wegs. Wir haben im Raum Frank­furt gelebt, später in Berlin, Lübeck oder Düssel­dorf. Sobald meine Mutter einen besseren Job fand, sind wir umge­zogen. Dadurch sind wir sehr be­weglich ge­worden. Mittel­schule und Berufs­aus­bildung zum Industrie­kauf­manns­ge­hilfen abge­schlossen. Zwei Jahre Ver­kaufs­ver­treter für eine Druckerei, Akquisi­teur für eine Fremden­verkehrs­publi­kation mit journa­listischer Tätig­keit, Reise­organisator für König Ibn Saud und sein Ge­folge, Texter bei Young & Rubicam, Texter und später Kreativ Director bei Ogilvy & Mather, Mit­gründer der Werbe­agentur TBWA Frankfurt, Lürzer, Conrad Frankfurt, Michael Conrad & Leo Burnett Frankfurt. 1986 hat Leo Burnett mir ange­boten, als Präsident und inter­natio­naler Creative Director ins Head­quarter zu kommen. Ich zog mit meiner Familie nach Chicago. Später wurde ich welt­weiter Chief Creative Officer der ganzen Gruppe und gehörte zum engen Führungs­kreis. Nach der Werbe­karriere Mit­gründer der Berlin School of Creative Leadership.“

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Veröffentlichung: 12.09.2022

107 — Hannah Helmke
1,5° Celsius und 100% Powerfrau

Hannah Helmke ist Gründerin und CEO des Climate-Tech-Unter­nehmens right. based on science, kurz: right°. Ihr Fokus auf wirt­schaft­liches Handeln in unserer vom Klima­wandel betroffenen Welt ist das Ergeb­nis der Kombi­nation ihrer beiden akadem­ischen Diszi­plinen: Psycho­logie und Inter­natio­nal Business. Hannah folgt ihrer festen Über­zeug­ung, dass ein wissen­schaft­lich fundierter Ansatz der beste Weg ist, um das emotio­nal auf­ge­ladene Feld der Klima­strate­gie von Unter­nehmen zu be­wältigen. Bevor sie right° gründete, arbeitete sie für den IT-Dienst­leister BridgingIT und die Deutsche Post DHL Group. Dort er­forschte sie die Poten­ziale der Digitali­sierung zur Erreich­ung von Nach­haltig­keits­zielen und arbeitete an der Ein­führ­ung von wissen­schafts­basierten Zielen als Berichts­instru­ment. Unter ihrer Leitung erhielt right° den renom­mierten Next Economy Award 2020 und sie selbst wurde mit dem Digital Female Leader Award 2020 in der Kategorie „Nach­haltig­keit“ sowie mit dem „Female Founders Award“ der AmCham Germany 2021 ausge­zeichnet.

LINKS
Website von right°
Video-Kurzerklärung von Hannahs Ansatzes
Pitch-Seite des Unternehmens
Hannah Helmke auf einem Panel der Welt am Sonntag
Über die Entstehung des Unternehmens und die aktuellen Hürden 
Hannah Helmke wurde vom Handelsblatt als eine der 50 Top-Unternehmerinnen Deutschlands gekürt

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Veröffentlichung: 05.09.2022

106 — Stefan Weil
create curate collaborate

Skorpion. 1963 in Bad Homburg geboren. Meine Lauf­bahn als Gestalter begann mit der Cover­gestaltung für die eigene Band »Neue Mode«. Es folgten Fan­zines und Magazine wie »Der Fürst« und »Das Herz«. All dies mündete in einem ersten Job bei Meiré und Meiré (»Design ist Orientierung«) als Grafik­assistent. In der frühen Selbst­ständig­keit mit »LAW« (Laarman und Weil, Lust, Arbeit, Wahrheit) wurde ich erst­mals mit der digitalen Trans­formation kon­fron­tiert. Als Unter­mieter beim ersten Mac-Händler im Rhein-Main-Gebiet tauschte ich rasch den Rapido­graph und das Skalpell gegen Mac Paint aus. Meine Rolle als Grafiker bei Tassilo von Grolman prägte mein holist­isches Design­ver­ständ­nis. Es folgte die Karriere in globalen Agentur­netz­werken wie Saatchi & Saatchi, TBWA und Leo Burnett. Bei »Leo« leitete ich eine eigene Unit für »Experience Marketing«. Geprägt von der lang­jährigen Tätig­keit für die Marke Marlboro. Einer­seits die content platform »Marlboro Network, The Pulse of America«, in der ich Kreativ­direktor und Trend­scout/Cool Hunter in Personal­union sein durfte sowie der Forschung an dem »Brand Recognition Code« der Marke. Eine globale Studie mit Designers Republic, Pentagram, Tomato und David Carson bildete deren Basis. Mit dem »Lab01«, einem Zukunfts­pavillon an der Schnitt­stelle aus Science und Pop­kulturen für DaimlerChrysler auf der Expo 2000 fand sich 1999 schließlich meine gestalterisch wirkungs­vollste Heimat bei und für Atelier Markgraph. Von 2001 bis 2003 wechselte ich zu J. Walter Thomson, leitete dort Teile der Kreation als CD sowie die Tochter­firmen für Experiences »Thompson Live Communication« und den Design­satelliten »Thompson Brand Design«. Die viel­schichtige »MultiChannel« Ein­führ­ung der Marke Becks Gold war ein High­light. Sowie medien­über­greifende Arbeiten für AEG, Rolex und den Online­broker der Spar­kassen­gruppe. 2003 kehrte ich schließlich zu »AM« (Atelier Markgraph) zurück. Seit 2005 Geschäfts­führer und seit 2016 nun auch Mit-Inhaber und somit Gesell­schafter. Viel­schichtige Projekte in Corporate und Culture sind weiterhin mein Antrieb.

LINKS
James Wallman „Time and how to spend it“
Christoph Grünberger „The Age of Data“
Rainald Goetz „Rave“
Peter Zumthor „Atmosphären“
Tom Dixon „Rethink“

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Veröffentlichung: 29.08.2022

105 — Lena Jüngst
Zukunftslabor Gastronomie

Die Designer­*innen Lena Jüngst und Tim Jäger haben mit ihrem Team das heute inter­natio­nal tätige Unter­nehmen air up auf­ge­baut. Die beiden trafen sich 2016 bei ihrem Produkt­design-Studium an der HfG Schwäbisch Gmünd. Mittler­weile hat air up Starter-Sets im sieben­stelligen Bereich ver­kauft und be­schäftigt über 200 Mit­arbeiter­*innen. Lenas Team hat beim 50 Next in Bilbao einen Preis für Tech-Disruption gewonnen.

Wir haben Lena aber nicht wegen ihres Preises in den DDCAST ein­ge­laden, sondern weil sie einen euphor­ischen LinkedIn-Post abge­setzt hat, in dem sie die jungen Köch­*innen, Aktivist­*innen, Gastro­nom­*innen feiert, die sie bei den 50 Next-Awards in Bilbao kennen­gelernt hat.

Beim 50 Next geht es um die führenden jungen Köpfe in Gastrono­mie, Land­wirt­schaft und Lebens­mittel-Ver­arbeit­ung. Leute, die nach­halt­ige Lebens­mittel, faire Restau­rants, eine neue Kuli­narik ent­wickeln. Leute sehr krit­ische Fragen stellen und disku­tieren. Eben jene 20–30-jährigen, die Lena in Bilbao, auf dem, wie sie sagt „am meisten inspirieren­den Event, an dem sie jemals teil­ge­nom­men hat“, traf. Von diesen Macher­*innen können wir im Design wirk­lich massig lernen – über Nach­haltig­keit, über Inno­vation und über agiles Experimen­tieren.

LINKS
Liste der Prämierten der 50 Next in Bilbao
Preisverleihung in Bilbao

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Veröffentlichung: 22.08.2022

104 — Sandra Groll
Design: Zwischen Kontingenz und Notwendigkeit

Alles könnte anders sein. Das ist der Titel eines wichtigen Buchs von Harald Welzer. Und es gibt Dinge, die not­wen­dig sind. Aber was hat Design mit Kontin­genz und Not­wendig­keit zu tun?

Dr. Sandra Groll ist Design­wissen­schaft­lerin, System­theo­retikerin und Design­erin. Sie studierte an der hfg Karls­ruhe und promo­vierte 2020 an der HfG Offen­bach. Ihre Promotions­schrift erschien 2022 bei trans­script unter dem Titel „Zwischen Kontin­genz und Not­wendig­keit. Zur Rolle des Design in der Gesell­schaft der Gegenwart.“ 

Von 2016 bis 2018 war sie Ver­tretungs­pro­fes­sorin für System­design an der Kunst­hoch­schule Kassel. Seit 2010 lehrte sie an ver­schiedenen Uni­versi­täten im In- und Aus­land, unter anderem an FH Potsdam, FH Biele­feld, Freie Uni­versi­tät Bozen, HfK Bremen, Zhejiang Wanli University Ningbo, Design Factory Inter­natio­nal und Brand Uni­versity Ham­burg. Sie forscht zum Thema Design und Gesell­schaft und arbeitet gegen­wärtig an einem Publi­kations­pro­jekt zu relatio­nalen Ge­staltungs­methoden. Neben ihrer aka­demischen Tätig­keit ist sie als freie Beraterin in der Kreativ­wirt­schaft tätig. Seit 2017 ist sie Mit­glied des Heraus­geber­rats „BIRD ­– Board of Inter­national Re­search in Design“ im Birk­häuser Ver­lags und Mit­heraus­geberin der gleich­namigen Reihe und Co-host der „NERD-New Experi­mental Research in Design“- Konferenzen.

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Veröffentlichung: 15.08.2022

103 — Nina Sieverding und Anton Rahlwes
FORM FRAGEN 01
Salone Del Mobile 2022

Die Zeitschrift form und der DDCAST arbeiten zusammen.

Ab sofort gibt es im DDCAST „form fragen“-Extra­aus­gaben. Nina Sieverding und Anton Rahlwes, die Chef­redakteur­*innen der form, im Gespräch mit Georg-Christof Bertsch. Es geht um den Blick auf aktu­elle Design­ereig­nisse. In diesem Fall ein Rück­blick auf den Salone del Mobile in Mailand.

Die form ist eines der traditions­reichsten Design­medien der Welt. Das „Zentral­organ der deutschen Design­szene“ kommt aus dem Print. Wir alle sind mit ihr auf­ge­wachsen. Sie er­scheint seit 65 Jahren! Der DDCAST ist eines der jüngsten Design­medien der Welt. Unser kleiner Pod­cast ist ein digital native.

Was haben wir gemein­sam? Nun, wir mögen uns. Und wir haben eine ähn­liche Vor­stell­ung von Quali­tät und der Rele­vanz sehr sorg­fält­iger Arbeit. Nina Siever­ding, form: „Für uns ergibt die Zusam­men­arbeit mit einem rein digitalen Medium, das mit einem viel schnelleren Rhyth­mus arbeit­et, Sinn. Der DDCAST er­scheint pünkt­lich zum Wochen­start. Wir da­gegen nehmen uns viel Zeit und er­scheinen alle drei Monate. Das mag in der Ära von Social Media kontra­intui­tiv wirken. Aber wir glauben an die sinn­lichen Quali­täten von beson­deren Papieren, Farben, Haptiken und auch Inhalten.“

Anton Rahlwes, form: „Unser Leit­medium in der form-Medien­familie ist Print. Print gehört – mittler­weile – zu den lang­sam­sten Medien. Wir drehen jedes Wort drei­mal um, bevor wir es drucken. Krit­ischer Design­jour­nalis­mus steht bei uns an erster Stelle – und der Erfolg der letzten Zeit gibt uns Recht. Dafür sind wir dank­bar. Unser Prin­zip einer offenen und dis­kur­siven Kom­muni­kation bekräft­igen wir mit der DDCAST-Ko­operation.“

Rainer Gehrisch, DDCAST: „Ich freue mich sehr, dass die Zusam­men­arbeit zustan­de gekom­men ist. Wir haben vor zwei Jahren mit dem Cast ange­fangen und wussten wirk­lich nicht, wo das hin­geht. Dass der DDCAST eine der­artige Repu­tation und Reich­weite auf­bauen würde, war nicht ab­seh­bar. Nach dem Rat für Form­gebung und den German Design Graduates arbeiten wir nun auch mit der Design­zeit­schrift form fest zusam­men. Das ist wirk­lich schön.“ Georg-Christof Bertsch, DDCAST: „Unser Redaktions­kon­zept folgt drei Richt­linien: 1. Vielfalt, Vielfalt, Vielfalt. 2. Radikal gendern, Diversität feiern, Alters-Dis­kri­minierung ent­gegen­arbeiten. 3. Neues aus­pro­bieren. Experimen­tieren. Deshalb bringen wir neben Design-Super­stars auch un­be­kannte Gestalter­*innen, die keinen Stein auf dem anderen lassen. Wir bringen Wissen­schaftler­*innen und Öko­nom­*innen. Das alles sind massive Ein­fluss­fak­toren auf die Zukunft des Designs. Der Start der Zusammen­arbeit mit der form ist für mich ein bewegender Moment.“

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Veröffentlichung: 08.08.2022

102 — Alexis Dornier
Tektonische Innovation auf Bali

Alexis Dornier wurde 1981 in Deutsch­land geboren, wo er unter dem ständigen Ein­fluss der Luft­fahrt­indus­trie auf­wuchs. Er ent­stammt einer Indus­triellen- und Ingen­ieurs-Familie. Alexis studierte Archi­tektur an der Uni­versi­tät der Künste in Berlin und zog an­schließend nach New York City, wo er zwischen 2004 und 2007 als Architektur­designer für Asymptote Architecture, OMA-NY und Rex arbeitete.

Das Jahr 2013 markierte eine radikale Verän­derung in seinem Leben und seiner Karriere, als er be­schloss, sein west­liches Leben hinter sich zu lassen und nach Ubud auf Bali umzu­ziehen, wo er begann, als Berater für lokal ent­worfene und ge­baute Architektur­pro­jekte zu arbeiten. Was als archi­tek­ton­ische Beratung be­gann, ent­wickelte sich schnell zu ganz­heit­lichen, un­ab­hängigen eigenen Projekt­ent­würfen mit einer schnell wachsen­den An­zahl von Arbeiten in der balinesischen Land­schaft. Dornier ist jetzt in Ubud ansässig und arbeitet sowohl lokal als auch inter­natio­nal an einer Mischung aus Wohn- und Gewerbeprojekten.

Die Philosophie hinter der Archi­tektur von Alexis Dornier besteht darin, für jede architek­tonische Gestaltungs­auf­gabe Gestaltungs­methoden zu kombi­nieren und neu zu formu­lieren. Eine archi­tek­tonische Auf­gabe ist ein eigener Fall, eine eigene Sache, ein eigenes Pro­blem und eine eigene Ange­legen­heit. Eine Reihe von Regeln bilden eine logische und um­fassende Ent­wurfs­er­zählung, die zu Effizienz und einem starken Aus­druck unserer gebauten Umwelt führt.

Seine architek­tonischen Projekte ver­suchen, eine Design­ästhetik zu formu­lieren, die zwischen Elementen des tropischen Modernis­mus und der Industrie­archi­tektur ver­mittelt, mit einem zu­grunde liegenden Streben nach formaler und tek­tonischer Inno­vation. Diese Entwurfs­ästhetik wird durch einen itera­tiven Entwurfs­pro­zess und eine sorg­fältige Aus­wahl lokal ver­füg­barer natür­licher Materi­alien reali­siert, die räum­lich so kompo­niert sind, dass sie auf den Stand­ort und die natür­liche Um­gebung, in der sie stehen, reagieren.

Tektonik ist im Wesent­lichen die Tätig­keit, die das Bauen zu einer Form der Kunst erhebt. In dieser Hin­sicht werden die Projekte von Alexis Dornier durch struktur­elle und formale Erkundungen ange­trieben, durch den Wunsch des Studios, die Grenzen seiner eigenen tropisch-tektonischen Sprache zu er­weitern. Dies geht Hand in Hand mit dem Be­streben, die Erfahr­ung der Land­schaft durch architek­ton­isches Design zu ver­stärken.

Die Projekte des Studios werden in den tropischen, bewaldeten Hügeln von Ubud, dem kultur­ellen Epi­zent­rum Balis, ent­worfen. Archi­tek­tur in den Tropen und ins­beson­dere an einem Ort wie Bali zu prakti­zieren, inspir­iert uns täg­lich und erinnert uns daran, lang­samer zu werden und die Bedeut­ung von Gleich­ge­wicht und Wohl­befin­den zu schätzen.

Mit einem Team von talentierten, enga­gierten Archi­tekten und Design­ern ist das Studio be­strebt, neue Typo­logien, Formen und Struk­turen zu erfor­schen und dabei von dem reichen Erbe und dem in der lokalen Tradi­tion verank­erten Know-how zu lernen.

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Veröffentlichung: 01.08.2022

101 — Franziska Ratsch und Oliver Grande
Partizipative Raum-Gestaltung

Franziska Ratsch ist Archi­tekt­in und Spezialist­in für nutzer­zentrierte Innen­archi­tektur. Sie konzi­piert und ent­wickelt Arbeits­umgeb­ungen, die wirk­same Zusam­men­arbeit er­mög­lichen. Sie ist ver­ant­wort­lich für Design­kon­zepte und Work Hacks, die ein all­gemein­es Ver­ständ­nis für die Nutz­ung des Raumes durch­setzen. Durch ihre lang­jährige Arbeit bei der BREAD&butter und Zalando ist sie darin ge­schult, in­spirieren­de und intui­tiv funktio­nierende Arbeits­welten für ihre Kunden zu schaffen. Sie ver­fügt über ein großes Netz­werk zu Archi­tekten, Interieur Designern und Möbel­her­stellern, womit auf wirk­lich jeden Kundenwunsch ein­ge­gan­gen werden kann. Sie ist immer neu­gier­ig auf ihre nächste Auf­gabe und stark darin, Lösun­gen auf hohem Design­niveau und Funktio­nali­tät zu finden und diese mit einem hohen Grad an Verant­wort­lich­keit umzu­setzen. Franziska denkt groß und handelt schnell, wenn es darum geht, Veränder­ungen zu schaffen. Studium mit Diplom­ab­schluss Dipl. Ing. der Archi­tektur, Beuth Hoch­schule, Berlin / Aus­bildung zur Bau­zeich­nerin, Bremen / Ver­schiedene Projekte (Joint Venture, Auftrags­arbeit) mit dem Hasso-Plattner-Institut / Ver­schiedene Produkt­ent­wicklungs­pro­jekte mit Möbel­her­stellern (firmen­eigene Möbel­linien, tempor­äre Fassaden­strukturen) / F­ortbildung Prince 2, AXELOS / Weiter­bil­dungen zum Thema 360-Grad Feed­back, Zeit­manage­ment, Projekt­manage­ment. Ihr Hinter­­grund ist: Drei Jahre Erfahrung im Bereich Archi­tektur, Wohnungs­bau / BREAD&butter: Acht Jahre Erfahr­ung im Be­reich tem­poräre Archi­tektur und Messe­bau bei Zalando: Fünf Jahre Erfahr­ung im Bereich Projekt­leitung Konstruk­tion und Ent­wicklung von Büro­gebäuden, Interieur Design und Ent­wicklung einer nutzer­zentrierte Arbeits­um­gebung für Mit­arbeiter aus ver­schiedenen Berufs­feldern, sowohl „white“ als auch „blue collar“ / Sankt Oberholz Consult­ing, Arbeits­welt­raum: Mehrere Jahre Berufs­erfahrung auf strategisch / konzeptio­neller und operativer Ebene / Grün­derin von Bimba Pepa – Furni­tecture for Kids and Kidults. Ihre Arbeits­schwer­punkte liegen in Ver­änder­ungs- und Trans­formations­pro­zesse (Lean Change Approach, Prototyping, Intergration der Mitar­beiter in einen Veränderungs­prozess) / Neue Organisations­designs, Arbeits­welten und -formen (Aktivitäts­bezogenes Arbeiten, Remote Work, andere Orte wie Home Office und Co-Working) / Nutzer­zentrierte Arbeits­umgebung­en (Unter­nehmens­werte, Mitar­beiter­befragungen) / Optimierungs­potential im Raum durch minimale Ver­änder­ungen des Nutzer­ver­haltens / Ein­führ­ung neuer tätig­keits­bezogener Möbel­konfigur­ationen / Arbeit­geber­marken­führung und -kommuni­kation (Spatial Branding, Location Branding, Employer Branding, Aktivierungs­kom­muni­kation) / Nutzer­be­fähigung durch Work­shops & Trainings.

Oliver Grande: Nach mehr als 15 Jahren in der Möbel- und Interior Design-Branche in ver­schieden­sten Organi­sations­typen, vom straff hier­ar­chischen Handwerks­be­trieb seiner Lehr­jahre über den Mittel­stand und einem selbst­organi­siert arbeiten­den Beratungs­unternehmen, ist er zu der Erkennt­nis gekom­men, dass Menschen sich nicht an Büros an­passen sollten, sondern Büros an Menschen. Schon immer ging es ihm um den Mehr­wert, den Räume ihren Nutzer­*innen geben können. Heute arbeite er noch stärker als Über­setzer, Kommuni­kator und Impulsgeber, der Raum und Kultur von Unter­nehmen ver­bindet und Orientier­ung bietet, um Büros zu Orten zu machen, die neuen An­sprüchen gerecht we­rden. Für Arbeits­orte, die dem „Permanent Beta“ der Arbeits­welt nach­haltig gewachsen sind, be­ständig wandelnde Struk­turen und Prozesse tragen, auf das Geschäfts­modell abge­stimmt sind, Zusammenarbeit fördern, das Poten­zial haben, Indi­­­vi­duen und Unter­­nehmen zu einen, Identität stiften und viel Zukunft ver­sprechen. Es geht ihm darum­, Orte zu schaffen, die neuer Arbeit würdig sind! Genießt die Energie, die aus kreativer Zusam­men­ar­beit, zwischen­mensch­lichem Aus­tausch und gemein­samen Zielen ent­steht. Er ist immer auf einer Mission und glaubt daran, dass der Status quo vor allem dazu da ist, hinter­fragt zu werden.

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Veröffentlichung: 25.07.2022

100 — Diana Tayo Osobu
Colour & Character

Diana Tayo Osobu ist Color & Trim Designerin, das heißt, sie beschäftigt sich mit dem, was man am Fahr­zeug Exterior und Interior sen­sor­isch wahr­nehmen kann. Nach ihrem Abitur am Elisa­bethen Gym­nasi­um in Frankfurt am Main studierte sie Wirt­schafts­wissen­schaften an der Guten­berg Uni­versi­tät, Mainz und arbeitete als Werk­studentin, später als stell­vertretende Abteilungs­leiter­in, bei DuPont de Nemours Electro­nics in Bad Hom­burg. Mittels eines Prakti­kums als Junior Art Direc­torin bei J.W. Thompson Werbe­agen­tur in Frank­furt sattelte sie in das krea­tive Fach über. Sie studierte Industrie­design und arbeitete gleich­zeitig als freie Mit­arbeiter­in bei der Mazda Motor Cor­por­ation in Ober­ursel im CMF Design und schloss ihr Studium an der Hoch­schule für Gestalt­ung, Offenbach ab.

Nach Ihrem Studi­um startete sie in der VW-Welt, im Design Center Europe der Volks­wagen Group in Sitges bei Barce­lona, in der es im Design Center Pots­dam der Volks­wagen Group weiter­ging, bis sie als Color & Trim-Design­er­in für die Luxus­marke des VW-Kon­zerns Bugatti tätig war. 2007 wech­selte sie als CMF Design Manager­in in das Hyundai Motor Europe Technical Center, Rüssels­heim, wo sie seit 2014 bis heute als CMF Senior Manager Europe des Hyun­dai Motor Europe Technical Center tätig ist.

Sie hat stets in inter­natio­nalen Teams an der Schnitt­stelle zwischen Design, Marke­ting, Engineer­ing und Produk­tion ge­arbeitet. Ein feines Ge­spür für Trends und Vor­lieben der Nutzer­*innen zeich­net sie aus. Die Kombi­nation aus ihrem betriebs­wirt­schaft­lichen und dem Design-Aus­bildungs­hinter­grund, sowie die Tätig­keit in globalen Unter­nehmen, ver­schafft ihr ein beson­deres Profil.

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Veröffentlichung: 18.07.2022

99 — Christian Müller
Turbo für die Energie Transformation

Dr. Christian Müller möchte etwas be­wirken und im großen Maß­stab nach­haltige Energie­inno­vatio­nen ermög­lichen, um Energie­kosten zu senken, die System­leist­ung zu er­höhen und Treib­haus­gas­emis­sionen zu redu­zieren. Er ist CEO von EIT InnoEnergy in der DACH-Region und Mit­glied des Exe­cutive Board der euro­päischen Holding KIC InnoEnergy SE.

Er studierte Chemie­ingenieur­wesen an der Uni­versi­tät Karls­ruhe und der Uni­versity of California, Berkeley und erwarb 1996 einen Doktor­titel in techn­ischer Thermo­dyna­mik. Bevor er zu Europas führen­dem Clean­tech-Inves­tor EIT InnoEnergy kam, war er fast 25 Jahre in der Techno­logie­ent­wicklung globaler Kon­zerne tätig. Mit der Über­nahme der Cor­por­ate Techno­logy Sparte von Hoechst kam er im Jahre 2000 zu Siemens, wo er in führen­den Manage­ment­positionen im Bereich der Kommerz­iali­sierung neuer Techno­logien und Dienst­leistungen sowie im Markt­positio­nier­ung und Geschäfts­ent­wick­lung aktiv war.

Das Unternehmen EIT InnoEnergy hat seit seinem Start 560 Millionen Euro in mehr als 480 nachhaltige Energieinnovationen investiert, die bis 2026 einen Umsatz von 16 Milliarden Euro erwirtschaften sollen. 90 % der Start-ups arbeiten bereits mit globalen Marken wie ABB, BMW, EDF, Engie, Tata Steel und Vattenfall zusammen. Die EIT InnoEnergy Master School hat Studierende aus fast 100 Ländern angezogen. Inzwischen hat die Master School 1200 Absolvent*innen und 1500 eingeschriebene Student*innen.

LINKS
Website von InnoEnergy
Artikel im Tagesspiegel
Capital über InnoEnergy
Zur Klimabilanz von e-Autos
Über Batteriezellen aus Europa

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Veröffentlichung: 11.07.2022

98 — Prof. Bitten Stetter
Palliativ-Design

Bitten Stetter ist diplomierte Mode­design­er­in. Seit 1999 arbeitet sie als selbs­tändige Design­erin. Im Mittel­punkt ihrer Arbeit steht die Ana­lyse von gesell­schaft­lichem Wan­del. Ihre Arbeiten leben von der kritischen Aus­einander­setz­ung mit Alltags­kul­turen und Lebens­stilen. Als selb­ständige Design­erin und Trend­ex­pertin ko­oper­iert sie mit ver­schie­denen Museen und Unter­nehmen. Für das Museum für Kom­muni­kation Berlin kura­tierte sie die Aus­stell­ung fashion talks, eine Wander­aus­stell­ung, die im Museum für Kom­muni­kation Frank­furt, Nixdorf Museum Pader­born und im Gewerbe­museum Winter­thur statio­nierte. Sie publi­zierte in ver­schiedenen Zukunfts­maga­zinen, Zeit­schriften und Büchern rund um Themen wie Mode, Körper, Lebens­stil und Wandel.

Seit 2005 ist sie in der akadem­ischen Lehre in Deutsch­land und der Schweiz tätig. Sie ist Profes­sorin für Trends & Identity, doziert seit 2006 im gleich­namigen Bachelor und leitet seit 2008 das Master­pro­gramm Trends & Identity im Master of Arts in Design an der Zürcher Hoch­schule der Künste. Seit 2012 ist sie Mit­glied des Institutes für Design­for­schung und leitet seit 2014 die For­schung inner­halb der Fach­richtung Trends & Identity, wo sie den Forschungs­schwer­punkt Care Futures haupt­ver­ant­wortlich vertritt.

Seit der Sterbe­be­gleit­ung einer nahen Ange­hörigen (2011 – 2015) befasst sich Stetter in diversen Vor­trägen, Aus­stell­ungen und Publi­katio­nen mit Sterben und Tod im Zeit­alter des demo­graf­ischen und digi­talen Wan­dels und unter­sucht damit ver­bun­dene Indi­vidu­ali­sier­ungs­pro­zesse in einer Gesund­heits­gesell­schaft. Ihr gegen­wärtiger Forschungs­gegen­stand sind Sterbe­dinge, die am Lebens­ende das soziale Mit­ein­an­der, Identi­tät und Lebens­quali­tät formen und bedin­gen. Stetter ist Teil des vom Schweizer Natio­nal Fonds ge­förderten Forschungsprojektes „Sterbe­settings – Eine inter­disziplinäre Perspektive“ (2020 – 2023) und schreibt und gestaltet im Rahmen des SINTA-Programmes (HKB-Bern/Universität Bern) ihre Disser­tation: „Things of Dying – Eine ange­wandte design-anthro­po­logische Unter­such­ung der gegen­wärtigen Sterbe- und Konsum­kultur“ (Arbeits­titel der PhD-Arbeit). Hier unter­sucht sie mit design­ethno­graf­ischen Methoden Ding­welten und Lebens­stile am Lebens­ende, um zeit­gemässe Care-Design-Produkte und -Strategien zu ent­wickeln. Sie absol­vierte hierfür Weiter­bil­dungen in Palliative Care und forschte über vier Jahre in insti­tutio­nellen und pri­vaten pallia­tiven Orten. Basierend auf ihre Erkennt­nisse hat Stetter 2019 Final Studio GmbH ge­gründet und finally., ein Brand, welches sich um unsere Lebens­reise, vor allem in fragilen Zeiten kümmert, ins Leben gerufen.

LINKS
Link zu Blog und Shop finally
STERBESETTINGS – Eine interdisziplinäre Perspektive 2020 – 2023
Trends und Identity an der Zürcher Hochschule der Künste
Link zum Buch KONTEXT STERBEN Institutionen – Strukturen – Beteiligte
Manifesto. Gestaltung und Identität: Offshore Studio
Website von Bitten Stetter

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Veröffentlichung: 04.07.2022

97 — Prof. Dr. Joachim Curtius
UP UP IN THE AIR

Prof. Dr. Joachim Curtius studierte Physik in Heidelberg. Nach Pro­mo­tion am Max-Planck-Institut für Kern­physik in Heidel­berg und beruf­lichen Statio­nen bei NOAA (National Oceanic and Atmo­spheric Admin­istration) in Boulder, Colorado, und an der Uni­versi­tät Mainz wurde er 2007 Pro­fessor für „Experimen­telle Atmo­sphären­forschung“ am Institut für Atmo­sphäre und Umwelt der Goethe-Uni­versität Frankfurt. Seine For­schung betrifft die Themen Spuren­gase, Aero­sole, Wolken und Klima. Hier be­schäftigt er sich bei­spiels­weise im Rahmen des CLOUD-Projekts am CERN in Genf mit der Bildung von Aerosol­partikeln in der Atmo­sphäre. Er ist wissen­schaft­licher Ko­ordinator mehrerer Verbund­pro­jekte und gehört dem wissen­schaft­lichen Lenkungs­aus­schuss für das deutsche Forschungs­flug­zeug HALO an. Er gehörte 2018 zu den welt­weit meist­zitierten Wissen­schaft­lern in den Geo­wissen­schaften. Er engagiert sich für eine wissen­schaftlich fundierte Kom­muni­kation der Klima­problem­atik in der Öffentlichkeit.

LINKS
Publikation des Bundesumweltamtes zu umweltschonendem Luftverkehr
Emissions from planes and ships: facts and figures (infographic) auf der Website des Europaparlamentes
Website Ecopassenger Emissionsrechner
Global Carbonproject
Science Direct. The contribution of global aviation to anthropogenic climate forcing for 2000 to 2018

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Veröffentlichung: 27.06.2022

96 — Erik Spiekermann
TYPOERIK 75

Erik Spiekermann ist Setzer, Drucker, Kunst­his­toriker, Informations­designer, Schrift­ent­werfer und Fach­autor. 1979 gründete er MetaDesign, ein Unter­nehmen, das ganz erheb­lichen Ein­fluss auf die Design­ent­wick­lung und auf un­zähl­ige Designer­*innen-Karrieren genom­men hat. 1989 folgte die Gründung von FontShop, dem weltweit ersten Vertrieb elek­tron­ischer Schriften. Nach dem Aus­scheiden aus dem aktiven Geschäft ist er heute Auf­sichts­rat bei Eden­spieker­mann, Berlin, Amster­dam, San Francisco & Los Angeles. Seine Typo­grafische Werk­statt p98a.berlin ver­bin­det digitale Tech­niken mit dem analogen Buch­druck. Er hat so viele Preise ge­won­nen und an so vielen Jurys teil­ge­nom­men, dass eine Auf­zähl­ung unsere Show­notes sprengen würde. Mehr zu ihm ihn den an­liegenden Links.

Dr. Mateo Kries, Direktor des Vitra Design Museums, schreibt über ihn: „Erik Spieker­manns grafische Identitäts- und Design­arbeit ist seit den 1970er Jahren ein distink­tiver Teil der visu­ellen Welt. Als Gründer von ‚MetaDesign‘ und ‚Edenspiekermann‘ gab er unter anderem dem ÖPNV Berlins, der Deutschen Bahn, dem ‚Economist‘ und Unter­nehmen wie Audi, Volks­wagen und Bosch ein unver­wechsel­bares Erscheinungs­bild. Seine Arbeiten wurden mit den prestige­trächtig­sten Preisen Europas aus­ge­zeich­net, nicht zu­letzt ernannte ihn die britische Queen zum Royal Designer for Industry. ‚FontShop‘, das erste Ver­sand­ge­schäft für Computer­schriften, geht ebenso auf seine kreative Initi­ative zurück wie zahl­reiche Schrift­ent­würfe, u.a. ITC Officina und FF Meta – beide sind in­zwischen als Klassiker auf vielen Fest­platten vor­han­den. Bis heute ist er eine zen­trale Figur der deutschen und inter­natio­nalen Design­szene. Nach seinem Aus­scheiden aus dem aktiven Ge­schäft betreibt er heute in Berlin eine experi­men­telle typo­grafische Werk­statt unter dem Motto ‚Hacking Gutenberg‘.“

Font­werk über Erik Spieker­mann: „Der Mann, dessen Regal Preise für sein Lebens­werk der renom­miertes­ten Ver­bände und eine schön gerahmte Ehren­doktor­urkunde schmücken. Dessen Fach­bücher und die über ihn erschienene Designer­bio­grafie inter­natio­nale Best­seller wurden. Der mehr erfolg­reiche Schriften ge­staltet hat, als das Gesamt­programm der meisten Foundries um­fasst. Der als kurz­weiliger Gast in Film-, TV- und Audio-Produk­tionen auf­tritt und der BBC bereits in den Achtzigern Typo­manie er­klärte. Der in drei Zeit­­zonen zu Hause ist und in jedem Ort mehr Fahr­räder besitzt als eine sport­liche Groß­familie. Der am Aufbau zwei der rele­van­tes­ten Kreativ­agenturen, eines legen­dären Letter­press-Work­shops, dem zeit­weilig wichtigsten unab­hängigen Font­ver­triebs und der größte Biblio­thek zeit­genös­sischer Schriften mitwirkte.“

LINKS
Wikipedia-Eintrag von Erik Spiekermann
Erik Spiekermann bei Fontwerk
Erik Spiekermann bei Edenspiekermann
p98a
Angaben zu Publikationen von Erik Spiekermann in der Deutschen Nationalbibliothek

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Veröffentlichung: 20.06.2022

95 — Nicole Deitelhoff und Matthias Wagner K
Design for Democracy.
Gestalten wir wie wir leben.


Prof. Dr. Nicole Deitelhoff ist Leiterin des Leibniz-Institut Hessische Stiftung Friedens- und Konflikt­forschung. Sie erwarb ihren M.A. in Political Science an the State Uni­versity of New York at Buffalo und promo­vierte an der TU Darmstadt (summa cum laude).

Sie hat eine große Anzahl von Forschungs­pro­jekten durch­ge­führt und ist darin aktiv, u.a. als Senior fellow, program “Future of Democracy”, The New Institute Hamburg (TNI) Co-speaker Research Institute Social Cohesion (RISC); Head of Research Department “Inter­national Insti­tutions” and Co-Head of Research Depart­ment “Trans­national Politics” (with Prof. Dr. Chris­topher Daase), Peace Research Institute Frankfurt (PRIF); Executive Director at the Peace Research Institute Frankfurt (PRIF); Visiting Fellow am European Uni­versity Insti­tute, Florence; Visiting Fellow an der University of Hawaii at Manoa // Visiting Fellow am Center for European Studies, Harvard Uni­versity; Visiting Professor an der Hebrew University Jerusalem; Professor of Inter­national Relations and Theories of Global Order an der Goethe Uni­versi­tät Frank­furt; Research Professor, Colla­bora­tive Research Centre “Trans­formations of the State”, an der Uni­versität Bremen; Research Associate, Centre for Inter­disci­plinary Techno­logy Studies (ZIT), an der TU Darmstadt

BERUFLICHE AKTIVITÄTEN UND MITGLIEDSCHAFTEN
Seit 2018 Member of the 15th Advisory Council for Internal Governance of the Federal Ministry of Defense and Member of the Board of Trustees of the Social Science Research Center Berlin (WZB); seit 2017 MItglied des Senats der Schader Stiftung and Member of the Board of Trustees des Studien­preises der Körber Stiftung.

EHRUNGEN (AUSWAHL)
Schader Preis für Wissen­schafts­kommuni­kation, Schader Stiftung. Gewin­nerin des Maier-Leibnitz Preises (DFG)

LITERATUR VON NICOLE DEITELHOFF (AUSWAHL)
2022 (mit Cord Schmelzle). Social Integration and Conflict, in: Kölner Zeit­schrift für Sozio­logie und Sozial­psycho­logie, forth­coming. // 2022 (mit Silvia Steininger). Against the Masters of War: The Over­looked Functions of Conflict Liti­gation by Inter­national Courts, in: Duke Journal of Law and Contem­porary Problems, 84(4), 95-122. // 2021 (mit Christopher Daase). Wenn die Geltung schwindet. Die Krise der liberalen Welt­ord­nung und die Herr­schafts­pro­ble­matik inter­natio­naler Politik, in: Forst, Rainer/Günther, Klaus (Hg.): Norma­tive Ordnungen, Berlin: Suhrkamp, 162-190. 2020. What’s in a Name? Contes­tation and Backlash Against Inter­natio­nal Norms and Insti­tutions, in: The British Journal of Politics and Inter­natio­nal Relations, 22(4), 715-727. // 2020 (with Olaf Groh-Samberg and Matthias Middell): Gesell­schaft­licher Zusammen­halt: Ein inter­diszi­plinärer Dialog, Frankfurt/New York: Campus Verlag. // 2020 (mit Frank Bösch and Stefan Kroll): Hand­buch Krisen­forschung, Wiesbaden: Springer VS. // 2020 (with Julian Junk, Clara-Auguste Süß and Christopher Daase). What do we know about radicali­zation? Key findings, challenges, and policy recommendations. Focus Section, International Journal of Conflict and Violence, 14(2). // 2019 (mit Christopher Daase). Opposition and Dissidence, in: Journal of Inter­natio­nal Political Theory 15(1), 11-30. // 2019 (mit Priska Daphi and Felix Anderl). Bridges or divides? Conflicts and synergies of coalition building across countries and sectors in the Global Justice Movement, in: Social Move­ment Studies 21 (1-2), 8-24. // 2018. Populis­mus und Wissen­schaft. Streiten gegen das Erlahmen öffentlicher Aus­ein­ander­setz­ung, in: Blam­berger, Günter/Freimuth, Axel/Stroh­schneider, Peter (Hg.): Vom Umgang mit Fakten. Ant­worten aus Natur-, Sozial- und Geistes­wissen­schaften, Wilhelm Fink, 23-33.


Prof. Matthias Wagner K ist Ausstellungs­macher, Biennale­leiter, Kurator, Autor und seit 2012 Direktor des Museum Ange­wandte Kunst in Frankfurt am Main. Inner­halb eines Jahres posi­tio­nierte Wagner K das Museum mit einem gänz­lich über­arbeiteten Aus­stellungs- und Parti­zipa­tions­kon­zept neu. Mit seinen wechseln­den themat­ischen Aus­stell­ungen richtet es seither den Fokus auf die Wahr­nehm­ung gesell­schaft­licher Ström­ungen und Ent­wick­lungen. Es ver­steht es sich als ein Ort für sinn­liche Denk- und Erfahrungs­räume, für Ge­spräche und kritische Dis­kurse und zählt mittler­weile zu den inter­national ange­sehensten und profi­liertesten Museen seiner Art. Matthias Wagner K bekleidet zudem seit 2018 eine Honorar­pro­fessor für Design Curating and Criticism an der HfG Offenbach, ist einer der drei Inten­dant:innen für Theater der Welt 2023. Frankfurt / Offenbach und leitet die Bewerbung Frankfurt RheinMain. World Design Capital 2026. Hierfür ent­wickelte er den Claim Design for Demo­cracy. Atmo­spheres for a better life. Er ist Mit­glied im Kura­torium der Peter und Irene Ludwig Stift­ung und der Stiftung Urban Future Forum e.V..

LINKS
www.designfrm.de
www.hsfk.de
www.museumangewandtekunst.de
www.ludwigstiftung.de
www.urbanfutureforum.org

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Veröffentlichung: 12.06.2022

94 — Felix Kosok
Das queere Mannsbild

Dr. Felix Kosok ist Design­wissen­schaftler und Grafik­designer. Er promovierte 2020 an der HfG Offen­bach zur ästhetisch-politischen Dimen­sion des Designs. Seine Disser­tation „Form, Funktion und Frei­heit“ wurde 2021 beim tran­script Verlag ver­öffent­licht. Der Schwer­punkt seiner Forschung liegt in den Bereichen Design­ästhetik, Politiken des Style sowie politisches Grafik­design. Neben der Forschung ist er in der Design­kollabora­tion Bureau069 selbst gestalter­isch tätig. Für seine Arbeiten hat Felix Kosok bereits viele Aus­zeich­nungen erhalten, unter anderem vom Type Directors Club New York. Seit 2021 ist Felix Kosok Professor für Grafik­design und Design­theorie an der German Inter­national University Berlin.

Dr. Felix Kosok ist Vor­stand des Deutschen Designer Club, Mitglied in der Deutschen Gesell­schaft für Design­theorie und Forschung und in der Deutschen Gesell­schaft für Ästhetik. Er ist Gründungs­mit­glied und im Vor­stand des Offen­bacher Kunst­vereins Mañana Bold.

AUSGEWÄHLTE PUBLIKATIONEN
KOSOK, Felix, KROLL, Stefan, KUNI, Verena, WAGNER, Ellen, Hrg., Krisen sichtbar machen. Dialoge zwischen Wissen­schaft, Kunst und Design, Heidelberg: Springer, 2021.
 KOSOK, Felix, Form, Funktion und Freiheit. Über die ästhetisch-politische Dimension des Designs, Bielefeld, transcript, 2021.
 KOSOK, Felix, Gay Bombs, in: form 294 – Natur, Heft 4, Frankfurt am Main, 2021
 KOSOK, Felix, The Problem with Problem­solving. Design, Ecology and the Common Good, in: BOTTA, Massimo , JUNGINGER, Sabine, Hrg., Design as Common Good. Framing Design through Pluralism and Social Values, Swiss Design Network Symposium 2021 Conference Proceedings.
 KOSOK, Felix, Meme Wars und Grafikdesign, in: CHRISTENSEN, Michelle, FEZER, Jesko, HERLO, Bianca, HORNUFF, Daniel, JOOST, Gesche, Hrg., Lechts und Rinks. Eine Auseinandersetzung mit dem Design der Neuen Rechten, Hamburg: adocs Verlag, 2020.

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Veröffentlichung: 06.06.2022

93 — Hella Jongerius
Texture makes things human

Hella Jongerius studierte an der Academy for Industrial Design Eindhoven und ver­bin­det in ihrer Arbeit die neuesten Techno­logien mit uralten Hand­werks­techniken. Sie sieht ihre Arbeit als Teil eines nie endenden Prozesses, und das gilt im Grunde für alle Ent­würfe von ihr: Sie besitzen einer­seits die Kraft einer abge­schlossenen Design-Ent­scheidung, ver­mitteln anderer­seits aber auch, dass sie Teil von etwas Größerem sind, mit einer Vergangen­heit und einer unge­wissen Zukunft. Das Un­fertige, das Provi­sorische, das Mög­liche – es liegt in der Auf­merk­sam­keit für das Un­voll­kommene, für die Spuren des Ent­stehungs­pro­zesses und für das ent­hüllte Poten­zial von Materialien und Techniken. Durch diese Arbeits­methode würdigt sie nicht nur den Wert des Pro­zesses, sondern bezieht auch die Be­trachter­­*innen, den Benutzer­*innen, in ihre Unter­suchung mit ein.
 
Nach ihrem Ab­schluss an der Akademie für Industrie­design in Eind­hoven gründete sie 1993 das Studio Jongeriuslab, in dem sowohl unab­hängige Projekte als auch Arbeiten für Groß­­kunden entwickelt werden. Dazu gehören Textil­ent­würfe für den Möbel­stoff­her­steller Maharam, die Innen­ein­richtung der Delegierten-Lounge des UN-Haupt­quartiers in New York, Kabinen­ein­richtungen für die Flug­gesell­schaft KLM, die Installation „Colour Recipe Research“ auf Ein­ladung des Kurators Hans Ulrich Obrist für das MAK (Wien) und die Installation „A Search behind Appearances“, eine Kooperation mit Louise Schouwenberg im Auftrag der Serpentine Galleries.
 
Zu den jüngsten Projekten gehören Einzel­aus­stellungen im Gropius Bau, Berlin (2021), Lafayette Anticipations (2019) und National­museum, Stockholm (2019). Ihr Space Loom #1 wurde 2019 vom Centre Pompidou erworben.
 
2017 wurde Hella Jongerius mit dem Sikkens-Preis ausge­zeichnet, einem der ältesten unab­hängigen Kunst­preise der Nieder­lande, der alle paar Jahre an Personen oder Institutionen ver­geben wird, die einen besonderen Beitrag zum Thema Farbe geleistet haben.
 
In den letzten Jahren hat sich Jongerius auf Forschungs­pro­jekte konzen­triert, die zu großen Einzel­aus­stellungen Aus­stellungen wie Breathing colour im Design Museum, London; Interlace – textile research im Lafayette Anticipations, Paris, und Woven Cosmos im Gropius Bau, Berlin führten.
 
Viele von Jongerius’ Produkten befinden sich in den ständigen Sammlungen von Museen wie dem MoMA, New York, dem Victoria & Albert Museum, London, sowie der Neuen Sammlung, München oder dem Centre Pompidou, Paris.
 
Seit 2009 lebt und arbeitet Hella Jongerius in Berlin.

AUSGEWÄHLTE AUSSTELLUNGEN
2021 Woven Cosmos, Einzelausstellung Gropius Bau, Berlin
2020 Breathing Colour am Gewerbemuseum Winterthur, Schweiz
2019 Centre Pompidou, Paris, erwirbt das monumentale gewobene Werk Space Loom #1 2019 Entrelacs, une recherche tissée / Interlace, textile research, exhibition at Lafayette Anticipations (Paris, France)
2019 Das Design Museum der Pinakothek der Moderne, Munich, erwirbt die Schattenspiel-Installation von „A Search Behind Appearances“
2019 Breathing Colour, Wanderausstellung von Nationalmuseum (Stockholm, Schweden) 2018 Woven Movie 7:30 PM erworben vomMusée des Arts Decoratifs (Paris, France) 2018 Beyond the New exhibition at MUDAM (Luxemburg)
2018 Breathing Colour, Wanderausstellung des Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam, Niederlande)
2017 Beyond the New, Ausstellung mit Louise Schouwenberg für die Pinakothek der Moderne, Die Neue Sammlung (München)
2017 Breathing Colour, Wanderausstellung für das Design Museum London (London, UK) 2016 A search behind appearances, Shadow play, installation beauftragt von den Serpentine Galleries, für La Rinascente department stores; mit Louise Schouwenberg (Mailand) 2016 Dream Out Loud - Designing for Tomorrow’s Demands, Gruppenausstellung am Stedelijk Museum (Amsterdam)

AUSGEWÄHLTE KUNDEN
seit 2002 Polstermöbel-Textildesign für Maharam (New York)
seit 2005 Möbeldesign und Art Director für Farben und Materialien für Vitra (Basel)
seit 2011 Kabinen und Sitzdesign für die Fluglinie KLM (Amstelveen, Niederlande)
2012 – 2018 Design Director und designer von Teppichen für Danskina, Kvadrat and Maharam’s rug atelier (Amsterdam)
seit 2017 Keramikkacheldesign für Mutina (Fiorano, Italien)

AUSGEWÄHLTE PROJEKTE
2019 Vlinder Sofa, Vitra (Basel)
2019 Diamond Vase und Facet Flasche, Galerie kreo (Paris)
2019 Shore and Slope, Teppiche für Danskina, Kvadrat and Maharam’s rug atelier (Amsterdam)
2018 Diarama, collection of tiles for Mutina (Fiorano, Italy)
2018 Sienna and September, Teppiche für Danskina, Kvadrat and Maharam’s rug atelier (Amsterdam)
2018 8:15am Morning Weave, Galerie kreo (Paris) 2018 7:00pm Evening Weave, Galerie kreo (Paris)
2018 Lattice, Silhouette and Glory, Teppiche for Danskina, Kvadrat and Maharam’s rug atelier (Amsterdam)
2017 Tile Tables, Galerie kreo (Paris, France)
2017 Flutter, besticktes Polsterstoffe for Maharam (New York) 2016 Inlay, Colorfield and Chroma for Maharam (New York, USA)
2016 Cocoon, Landscape and Cross, Teppiche for Danskina, Kvadrat and Maharam’s rug atelier (Amsterdam)
2015 Kabineninneres und Sitzdesign für die Economy Class und die World Business Class, Boeing 777 and Boeing 787, KLM (Amsterdam)
2015 Update des Polder Sofa für Vitra (Basel)
2015 Argali and Dew, Teppiche für Danskina, Kvadrat and Maharam’s rug atelier (Amsterdam)
2015 Reinterpretation des Armchair 402 von Alvar Aalto für Artek (Finland)
2015 Neue Farbpalette für die EPC range von Ray and Charles Eames für Vitra (Basel, Switzerland)
2014 Carapace, Foliage and Eden, Polstermöbelstoffe für Maharam (New York, USA) 2014 Neuinterpretation des Chair 400, Cahir 401 and Stool 60 bvony Alvar Aalto für Artek 2014 East River Chair for Vitra (Basel)
2014 Cork&Felt, Teppich for Danskina (Amsterdam)
2013 Knots & Beads Curtain, Spezialdesign für North Delegates’ Lounge des UN Headquarters in New York (NL / New York)
2013 Gemstone Tables für Galerie Kreo (Paris)
2013 Bold, Duotone and Multitone, Teppiche for Danskina, Kvadrat and Maharam’s rug atelier (Amsterdam)
2013 United Nations; Interior Design für North Delegates’ Lounge, Auftrag des niederländischen Außenministeriums; Bead Curtain, Sphere Table und RE-Lounge chair (NL / New York, USA)
2013 abineninneres und Sitzdesign für die World Business Class, Boeing 747-400, KLM (Amsterdam)
2012 Hours, Colorwheel und Vases, POlstermöbeltextilien für Maharam (New York, USA) 2012 Sphere Table für Vitra (Basel)

AUSGEWÄHLTE PUBLIKATIONEN
2019 Interlace, Woven Research, Texte von Alice Rawsthorn, Anne Röhl, Hans den Hartog Jager a.o., Grafikdesign von Irma Boom, Walther König Verlag
2107 Beyond the new – On the Agency of Things, Buch von Louise Schouwenberg und Hella Jongerius für die Pinakothek der Moderne, Die Neue Sammlung, Grafikdesign von Irma Boom, Walther König Verlag
2016 I don’t have a favourite colour, creating the Vitra colour and material library, Gestalten 2015 Beyond the new – a search for ideals in design, Manifest mit Louise Schouwenberg 2011 Misfit, texts by Louise Schouwenberg, Alice Rawsthorn und Paola Antonelli, Grafikdesign von Irma Boom, 308 Seiten, Phaidon Publishers
2003 Hella Jongerius, Text von Louise Schouwenberg, 152 Seiten, Phaidon Publishers

LEHRTÄTIGKEITEN
2019 Vorträge an der Rhode Island School of Design
2017 A smart thread, Designworkshop an der Minerva Academy (Groningen) 2010 und 2013 Gastprofessorin an der Kunsthochschule  Weissensee (Berlin)
2000 – 2004 Leiterin des Department Living an der Design Academy Eindhoven (Eindhoven)
1998 – 1999 Lehrbeauftragte an der Design Academy Eindhoven

LINKS
Hella Jongerius
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Veröffentlichung: 30.05.2022

92 — Etta Madete
Nachhaltige und bezahlbare Wohnungen in Kenia

Etta Madete Mukuba (*1992) ist Sustainable Design-Archi­tektin und Projektmanager­in mit einem Schwer­punkt auf erschwing­lichen nach­haltigen Bau­pro­jekten – sowie eine mit Awards geehrte Vio­linis­tin. Sie ist EDGE-Expertin und Aspen Senior Fellow. Sie hat mit Rem Koolhaas an der Harvard Gradu­ate School of Design und dem Guggen­heim Museum in New York zusam­men­ge­ar­beitet. Der­zeit ist sie die Leiterin für bezahl­baren Wohn­raum bei BuildX Studio und Dozentin (TF) an der Uni­versi­tät von Nairobi. In all diesen Funk­tionen prakti­ziert, lehrt und forscht sie zu archi­tekton­ischen Design­inno­vationen, die eine nach­haltige wirt­schaft­liche, soziale und öko­logische Ent­wicklung in Kenia und darüber hin­aus ermög­lichen sollen.

Zur Zeit promoviert sie an der Uni­versi­tät Nairobi über „Air Quality in Dense Apartment Blocks; A case of Nairobi, Kenya“. 2021 erhielt sie ihren Master of Architecture in Umwelt­design von der Uni­versi­tät von Nairobi. Sie erhielt zahl­reiche Stipendien und ist in mehreren Berufs­ver­bänden aktiv, u.a. hat sie die Berufs­registrier­ung als ein­ge­tragener Archi­tekt in Kenia; sie war 2020 am Aspen Institute New Voices Senior Fellow mit fort­ge­schrittener Aus­bil­dung in Advocacy. Sie ist Mit­glied der Archi­tektonischen Ver­eini­gung von Kenia (AAK), Mit­glied bei Women in Real Estate (WIRE) und Mit­glied der Kenya Property Developers Association (KPDA).

Wichtig für sie sind die zahl­reichen Pro­jekte im Bereich erschwing­licher Wohnungs­bau bei BuildX Studio, einem Architek­tur- und Bau­unter­nehmen mit Sitz in Nairobi, die sie seit 2019 als Archi­tektin und Projekt­leiterin durch­ge­führt hat. Außer­dem lehrt sie seit 2017 an der Uni­versi­tät von Nairobi im Fach­bereich Archi­tek­tur. In ihren großen Pro­jekten, wie Zima Homes Affordable Housing (seit 2020), führt sie Mach­bar­keits­studien durch, leitet das Projekt, stellt Business­pläne auf und sorgt für Kredite und Zuschüsse.

CSR UND GEMEINSCHAFTSAKTIVITÄTEN
Sie ist vielfältig in Social Responsi­bility-Projekten tätig. So war sie 2014 – 2020 Lead Facilitator für die John Mukaye Madete Foundation, die die Schul­gebühren für unter­privile­gierte Schüler im Westen Kenias finan­ziert und ihnen Führungs­quali­täten vermittelt. Sie ist Gründerin und war 2011 – 2013 Tutorin des Geigen­programms bei Ghetto Classics, das Musik unter­richtet und Schüler aus Korogocho, Nairobi, betreut. Bei BuildX Studio ist sie leitende Kura­torin für die Barbican-Ausstellung „Unsere Zeit auf der Erde“, die in der Curve Gallery in London im Mai 2022 eröffnet wird. Sie war 2018 – 2020 leitende Forscherin und Co-Kuratorin für „Countryside Studio“, in Zusam­men­ar­beit mit dem Team von Rem Kool­haas in den OMA Studios (Niederlande), der Harvard Graduate School of Design und dem Guggen­heim Museum in New York.

SEMINARE UND GREMIEN
Moderatorin für Healthy Cities-Healthy Cities Healthy People launch an event by WHO, UN habitat etc.; Moderator­in für den East Africa Property Invest­ment Summit (EAPI) – WIRE-Panel-Präsentation – Kenya’s Built Environment Sector’s Econo­mic Recovery Plan Through a Gender Lens – Juli 2021; Präsen­tation eines Vor­trags über „African Avant Gard“ an der Städel­schule – Mai 2021; Panelist – Habitat for humanity – SANKALP global health circular design; Moderatorin bei Veran­stalt­ungen von WIRE (Women in Real Estate), Kenyatta Uni­ver­sity, JKUAT, Cafe construct podcast, AAK Webinars, UN75, The future is un­written Dialogue, UN SDG action zone-Speaker, Carbon positive reset; Lead Facilitator bei Nafacity – Planning & Design Workshop in Zusam­men­arbeit mit UCL und British Council (2018); Kenianische Ver­treter­in bei der inter­natio­nalen Student Design Charrette des Royal Institute of British Architects (RIBA), ge­spon­sert von der Common­wealth Associ­ation of Architects (CAA – 2017); Kenianische Ver­treter­in des Common­wealth Youth Orchestra, Teil­nehmer­in an Kon­zerten in London und Glasgow (2013 und 2016)

AUSZEICHNUNGEN
WIRE (Women in Real Estate) Young Achiever Award 2021
Stipendium der Universität Nairobi für ein Postgraduierten­studium (2019 – 2021)
First Class Honors, Bachelor of Architectural Studies, University of Nairobi (2015)
Erste Klasse mit Auszeichnung, Bachelor of Architecture, Universität von Nairobi (2017)
Duracoat Award for Academic Excellence für B.AS & B.ARCH Abschlüsse (2015 & 2018)
Klassensprecher der Abschlussklasse des Bachelor of Architecture (2017)
Gewinner des inter­nationalen Design­wett­bewerbs von Sustainable Cycle Industries (Deutschland, 2017)

LINKS
LinkedIn
@ettamadete­
www.buildxstudio.com
www.zimahomes.co.ke

PUBLIKATIONEN
Autorin von „Atrium Daylight Penetration in Dense Apartment Blocks. Ein Fall von Roysambu Nairobi, Kenia.“ (2022)
  Mitverfasserin von „Application of Brick as a Building Material for Low Cost Housing in Hot and Dry Climates“ (2018)
 Mitverfasserin des Kapitels „Ocha“ in „The Countryside Report“, einem Buch, das von OMA und Rem Koolhaas veröffentlicht wird. (2020)
  Autorin von Artikeln über Architektur und Design, die unter anderem in Mail and Guardia